Konstantina Kotzamani chega a Cannes Un Certain Regard com seu longa de estreia “Titanic Ocean”, um drama sobre a maioridade em japonês ambientado em um internato onde adolescentes treinam para se tornarem sereias profissionais.
O filme estreia em 20 de maio e segue Akame, de 17 anos, também conhecida como “Deep Sea”, enquanto ela aprende a fazer shows subaquáticos, navegar no amor e descobrir o poder de sua própria voz.
A coprodução internacional foi liderada por Maria Drandaki (Homemade Films), juntamente com coprodutores da Grécia, Alemanha, Roménia, Espanha, França e Japão. Filmado inteiramente em japonês com elenco e equipe japoneses, o filme marca o salto de Kotzamani de curtas aclamados, incluindo “Limbo (2016)”, “Electric Swan (2019)” e “What Mary Didn’t Know (2024)”, para seu trabalho mais ambicioso até hoje, misturando mito grego, estética pop e uma linguagem visual tátil construída em torno da água e da identidade feminina.
A Variety conversou com Kotzamani e Drandaki antes da estreia do filme em Cannes.
Como você pensou na música e na voz como parte da narrativa, em vez de apenas trilha sonora ou elemento de performance?
Kotzamani: Quando comecei a escrever sobre esta escola de sereias, surgiu a história da “Pequena Sereia”, mas ainda mais fortemente o antigo mito grego das sereias: estas criaturas monstruosas, mas profundamente femininas, que atraem os homens para o mar através das suas vozes, para o desejo, a entrega e o desconhecido.
À medida que construí Akame (Mar Profundo), a voz da sereia tornou-se uma projeção de seu arco interno. Ela começa como uma garota que mal fala, quieta e retraída. Através da sua canção, a sua voz desperta e torna-se um veículo para expressar os seus desejos em voz alta, permitindo que as suas necessidades interiores emerjam plenamente no mundo exterior. Sua voz se torna poderosa o suficiente para mudar as marés, levantar ondas e transformar o mundo ao seu redor.
O relacionamento de Akame com seu treinador muda para algo baseado em saudade, reconhecimento e desejo. Você pode falar sobre essa dinâmica?
Kotzamani: A jornada de Akame passa pelo despertar, desejo e metamorfose. O despertar da sexualidade e a força do amor estão entre as energias mais profundas que emergem tanto da psique como do corpo.
O amor se torna um catalisador para Akame, mas o amor no filme parece perturbador e impossível. É uma relação proibida, não só pela hierarquia dentro da escola, mas também pelas diferentes espécies: ele é humano e ela é sereia, mesmo que a cauda seja de silicone.
A água parece o princípio organizador do filme, visual e emocionalmente. Quando se tornou a linguagem central do filme?
Kotzamani: Ficou claro desde o início que o filme seria construído em torno do choque entre o artificial e o orgânico. A água dentro da escola pertence a um mundo manufaturado, assim como os sonhos manufaturados das meninas. O verdadeiro oceano representa algo ilimitado. Um lugar de liberdade, onde você pode realmente se encontrar.
Enquanto escrevia, um pesadelo recorrente de infância de uma onda enorme voltou à minha mente. Eu trouxe esse medo para o filme. Para mim, fazer este filme tornou-se uma necessidade simbólica de cura: enfrentar novamente a onda e transformá-la. Não na destruição, mas na criação e na força feminina.
Como você se sentiu com a transição dos curtas para o primeiro longa?
Kotzamani: “Titanic Ocean” era ambicioso em todos os níveis. Filmagem no Japão, filmagem subaquática difícil e uma pós-produção exigente com edição, design de som e efeitos visuais extremamente exigentes. Fiquei longe de casa por quase três anos, o que trouxe um custo emocional real e períodos de esgotamento.
O que também achei muito confrontador na produção cinematográfica foi a ideia de que um filme não poderia mais existir apenas como um gesto artístico pessoal, mas também deveria entrar no mundo como um produto. A parte mais difícil foi proteger sua própria voz e ao mesmo tempo permitir que ela chegasse a outras pessoas.
Em que momento ficou claro que o filme deveria ser rodado no Japão com elenco e equipe japoneses?
Drandaki: Desde o início Konstantina quis rodar o filme fora da Grécia e da Europa, na língua do país e com um elenco local.
Embora o Japão sempre tenha sido sua principal inspiração, consideramos outros países asiáticos por um tempo e até exploramos Taiwan e Cingapura enquanto discutíamos o projeto com produtores da Coreia do Sul e da China. Mas ela sempre voltava ao Japão por razões estéticas e culturais que eram fundamentais para o filme.
Durante o desenvolvimento, passamos anos procurando os parceiros certos no Japão. Ao fazer parceria com Happinet Phantom Studios e Mam Film, encontramos uma maneira de permanecer fiéis ao cerne do filme, ao mesmo tempo que respeitamos a realidade japonesa.
O filme reúne muitos parceiros globais. Como funcionou na prática esse nível de colaboração transfronteiriça?
Drandaki: Na Homemade Films, muitos dos nossos filmes são coproduções, mas com “Titanic Ocean” esta colaboração transfronteiriça atingiu outro nível, trabalhando não só com equipas de cinco países europeus, mas também principalmente com elenco e equipa do Japão.
O filme pertence tanto ao Ocidente como ao Oriente, à Europa e à Ásia, e carrega características de todas estas culturas, indústrias cinematográficas e éticas de trabalho. Este encontro de pessoas e culturas foi incrivelmente criativo e muitas vezes explosivo. O que manteve tudo unido foi o talento incomparável e a visão criativa de Konstantina. Todos que participaram do filme entenderam e quiseram fazer parte dessa visão.
Também passamos anos encontrando os parceiros certos para cada posição e muitos meses construindo juntos uma visão compartilhada. Por trás disso, tivemos uma equipe de produção muito forte que se manteve unida ao longo desta aventura de 10 anos.
