“O Morro dos Ventos Uivantes” de Emerald Fennell está agora disponível em Blu-ray 4K Ultra HD, que é uma maneira perfeita de mergulhar no suntuoso design de produção, ouvir a trilha sonora evocativa (completa com músicas brilhantes de Charli xcx) e analisar a fotografia deslumbrante, que é cortesia do diretor de fotografia sueco Linus Sandgren.
Sandgren trabalhou com Fennell em “Saltburn” e voltou para sua continuação, uma versão anacrônica e excitada do romance do século 19 de Emily Brontë, desta vez estrelado por Margot Robbie como Cathy e Jacob Elordi como Heathcliff, que estão envolvidos em um caso de amor verdadeiramente arrebatador que transcende classe e posição.
Conversamos com Sandgren sobre a cinematografia de “O Morro dos Ventos Uivantes”. E antes que você pergunte, sim, perguntamos sobre seu trabalho com Denis Villeneuve em “Duna: Parte Três” (ele está substituindo o grande Greig Fraser, que está trabalhando nos filmes dos Beatles de Sam Mendes), mas lhe disseram para não falar sobre isso. Não se preocupe, haverá muito tempo para falar sobre “Duna: Parte Três”.
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O envoltório: Quando você começou o projeto, quais foram as coisas que você e Emerald conversaram em termos do visual de “O Morro dos Ventos Uivantes?”
Linus Sandgren: Tudo começou com ela, obviamente, falando sobre o filme em relação à sua visão. Eu não tinha lido o livro, li o roteiro dela, e ela é ótima em explicar com poucas palavras, então você tem imagens na sua cabeça quando ela está falando… você meio que vê imagens quando ela explica as coisas. Com “Saltburn”, ela explicava como ele está lambendo a banheira, você tem imagens na sua cabeça.
O que foi adorável foi que o núcleo da história, o núcleo da narrativa visual vem de como ela viu quando leu o livro pela primeira vez, basicamente, e portanto foi uma mistura de imagens inspiradoras que poderiam vir da arquitetura brutalista que ela viu em seu bairro com filmes que viu quando criança ou outras coisas. Ela construiu essa história na cabeça e o sonho para ela era fazer um filme assim.
Ela queria filmar tudo no palco. Basicamente, poder criar, pelo menos o mundo, olhar de uma forma específica e não apenas filmar numa casa aleatória. Tudo deriva de sua fantasia que evoluiu, tenho certeza, ao longo dos anos, e por isso ela tinha ideias muito específicas para o figurino e o design. Seria como o elemento de uma rocha e ela teria imagens de rochas, e depois imagens de detalhes pouco claros de um animal na parede que você não sabe o que é, mas parece nojento, mas também é lindo, e na verdade não é nada especial. É apenas um pedaço entre a perna e o peito de um porco, mas parece outra coisa.
Era (uma) sala lúdica e muito inspiradora que ela tinha, com imagens inspiradoras que não estavam necessariamente no filme, mas que nos ajudavam a sentir a liberdade de ir muito mais longe do que normalmente se faria num filme que teria que se ater à realidade – de uma forma que deveria ser realismo elevado e focar na própria história de amor e deixar o mundo ser expressivo para esta forte história de amor, da mesma forma que os pintores românticos pintavam paisagens dramáticas do homem e da natureza. Acho que usamos a mesma ideia de maneiras diferentes. A natureza e o homem poderiam ser combinados, tanto quanto pudéssemos, em tudo o que acontece emocionalmente. E então tivemos a liberdade de ser mais dramáticos do que o normal, encorajou Emerald.
De cena em cena, à medida que avançamos na história, decidimos o que beneficiaria emocionalmente essa cena para nos fazer sentir quando assistimos essas imagens e os atores nelas, como eles se sentem por dentro, você sempre quer fazer isso, mas acho que até certo ponto, neste caso, era apenas o que nos importava. Foi divertido, porque era diferente de outros filmes, e também era uma história dramática, emocionante e sensual, o que também era diferente para mim.
Emerald é o mais divertido de se trabalhar, porque sempre dá risada. Nós sempre nos divertimos muito. Fazer esse filme depois de “Saltburn” foi realmente um desafio divertido, mas o mais desafiador para todos nós foi a parte técnica, porque exigia mais soluções técnicas para que tudo funcionasse.
Quais foram esses desafios técnicos?
Bem, por exemplo, você decide filmar no palco e construir uma casa no palco com o interior e o exterior da casa. Filmamos apenas fotos de paisagens, a introdução, o enforcamento e outras coisas no local, mas, fora isso, sempre que você estava ao ar livre, perto da casa do Morro dos Ventos Uivantes ou de Thrushcross Grange, estava no palco.
Primeiro, você precisa de uma variação de clima para entreter o público, mas também vimos isso como uma oportunidade de usar o clima para diferentes emoções. Essa foi uma chave importante. É como quando você joga Zelda, aí você mistura essas bebidas superpoderosas, você coloca um pouquinho de Kubrick aqui e depois um pouquinho de “E o Vento Levou” aqui e Expressionismo Alemão ali.
Procuro sempre pensar: em que estilo pictórico estamos? “Saltburn” era mais barroco, porque poderia ser como uma imagem que retrata algo realmente difícil de assistir, mas ao mesmo tempo você não resiste a assistir porque parece ótimo. Nesse caso foi tipo, apostar tudo no romantismo, usar a natureza com as emoções dos personagens e um clássico absoluto.
Além disso, porque estávamos no palco, não poderia parecer muito artificial. A iluminação, de certa forma, acho que deveria parecer o mais naturalista possível, como as temperaturas de cor corretas que existem no mundo real, mas uma quantidade irreal de iluminação dramática, porque sempre foi um tanto dramática – ou estava neblina ou estava chuvoso ou foi o último sol com as nuvens dramáticas. Porque sempre foi um pouco dramático, acho que é isso que cria aquela realidade elevada ou surrealismo em combinação com cenários estranhos.
Quando estamos no local, queríamos manter aquela aparência no local e os desafios técnicos seriam o fato de estar ensolarado e ventoso, e você querer ter uma cena com aparência de neblina ou chuva, adicionamos neblina e chuva. Todas aquelas cenas que pareciam nebulosas ou chuvosas foram um desafio. Teve também o desafio de iluminá-lo de uma forma que você tivesse uma flexibilidade grande, porque filmamos, esqueci agora quantos dias, mas devem ter sido mais de 40 dias nos palcos. E, de um dia para o outro, você muda, ou mesmo de uma tomada para outra, você muda de direção, e tem um monte de luzes lá em cima no teto e em canos e tal. Precisávamos ter sempre flexibilidade para nos virar. E então, tivemos que adicionar mais luzes do que precisávamos, de uma forma que basicamente salpiquei o teto com luzes LED.
Foram desafios técnicos como esse porque nosso objetivo era criar um momento um tanto realista, mas também dramático, do tipo uma vez por mês, para cada tomada ou cena. Porque se torna um pouco mais surreal, mas na verdade tratava-se de tentar capturar o que parecia importante naquela cena em particular, emocionalmente, da maneira mais apropriada, para realçar isso com os visuais, o que nem sempre se faz nos filmes, porque às vezes você quer que não tenha a aparência que parece ou quer fazer isso de maneiras mais sutis ou realistas. Aqui foi mais all in, o que foi diferente e divertido.
“Wuthering Heights” está disponível em Blu-ray e 4K UHD na Warner Bros.
