O diretor de “Triangle of Sadness” se encontrou com a Variety após sua apresentação explosiva do tão aguardado “The Entertainment System Is Down”, que pode chegar a Cannes em 2026. Ou em 2027.
Você não se importa com spoilers, mas por que revelou pontos tão cruciais da trama no Festival de Cinema de Gotemburgo? Incluindo o final?
Quando penso em alguns dos diretores que admiro muito, gosto quando eles me deixam curioso sobre como vão visualizar as coisas. Quando assisto a um filme ou ouço falar de uma ótima ideia, não me importo como isso termina. Tudo o que quero saber é: como será feito? É isso que cria minha curiosidade.
Por volta de 2005, o YouTube mudou a forma como vemos as imagens em movimento porque esses vídeos sempre revelam o final do título. Mesmo assim, você ainda clica neles. Você vai ao teatro sabendo como “Hamlet” vai terminar. Quando ouvimos falar de um filme, ficamos curiosos para ver como o diretor e sua equipe irão abordá-lo. O cinema deve estabelecer uma relação com o público muito mais rapidamente hoje em dia. Qualquer coisa que desperte a curiosidade deles é algo que você pode usar.
Uma maneira de estabelecer rapidamente um relacionamento com seus espectadores é chocá-los. Ou, pelo menos, deixe-os desconfortáveis.
O objetivo é fazê-los pensar. Chocá-los só por fazer não é interessante. É fácil. Fazê-los pensar é a parte difícil. Eles devem pensar sobre si mesmos e sobre os temas que desejam discutir. Sempre tenho que usar minhas próprias experiências, mesmo que eu mesmo não as tenha vivido. Talvez eu tenha ouvido falar deles? Acho que a essência de ser um diretor é que você precisa olhar para dentro de si mesmo e lidar com suas próprias experiências e dores.
Você também mostrou algum material dos bastidores. Por que você quis construir este avião basicamente do zero?
Fazer um filme em um avião é extremamente difícil. Se você não tomar cuidado, não terá um bom filme. Para meu filme anterior, eu mesmo desenhei as imagens do storyboard. Mas desta vez, imagine desenhar a mesma imagem do storyboard em um avião, repetidas vezes. Seria incrivelmente chato! Quando nosso DoP, Fredrik Wenzel, conheceu a RV, ele sugeriu que experimentássemos. Eu estava em Maiorca, Fredrik estava em Estocolmo e o cenógrafo estava aqui em Gotemburgo. Poderíamos entrar neste mundo de realidade virtual como avatares, passear e conversar uns com os outros.
Você falou sobre os dilemas que alguns de seus personagens enfrentarão. Um casal descobrirá a infidelidade. Passar por algo assim em algum lugar do qual você não possa se esconder ou escapar seria meu maior pesadelo.
O meu também. Ao mesmo tempo, algo que ainda não mencionei, também tirei fotos fora do avião. Você pode ver o avião voando a 1.000 quilômetros por hora, 10.000 metros acima das nuvens. Enquanto isso, por dentro, as pessoas brigam por coisas triviais. É um absurdo.
Keanu Reeves é escalado como eletricista aqui. Ele apareceu nos filmes “Bill & Ted” (bem como “Good Fortune” em 2025). Porém, a comédia não é o gênero ao qual ele está mais associado, concorda?
Sim, exatamente. Ele tem uma qualidade cômica muito inexpressiva em sua atuação, e funcionou muito bem. Estou ansioso para ver como o público reage à sua performance. Ele é apresentado lindamente no filme. Quando se trata da senhora cujo marido morre de ataque cardíaco, perguntam-lhe: ‘Com licença, você poderia trocar de lugar com a viúva? Ela está em choque. E não temos lugar para guardar o corpo, então você terá que sentar ao lado do cadáver, sabe. Brincar com a percepção do público sobre Keanu Reeves em relação ao seu personagem neste filme foi muito divertido.
Em seu trabalho, você costuma falar sobre coisas terríveis e desagradáveis. E então você torna isso engraçado.
Estou feliz que tenha acontecido assim. É um absurdo fazer dramas sobre seres humanos. Vamos lá, somos bastante privilegiados, certo? Quando olho para a minha própria vida e para os conflitos com os quais tenho lidado, eles parecem bastante triviais. Especialmente considerando que todos nós vamos morrer.
Fiz uma retrospectiva nos EUA chamada “In Case of No Emergency” e esse título diz algo sobre meus filmes. Basicamente nunca há qualquer perigo físico. Haverá perigo físico neste filme, mas os personagens não perceberão isso até os últimos 15 minutos de suas vidas. Sentimos que ser humano é muito doloroso. É interessante examinar a nossa mentalidade de rebanho e o quão sensíveis somos à socialização. Estou interessado nisso há muito tempo. Desde o dia em que nascemos, começamos a treinar em socialização. Mais tarde, é possível simplesmente puxar os cordelinhos e rapidamente tornar as coisas bastante dolorosas. De todos os sentimentos, a vergonha é o que domina a maioria dos processos cerebrais. Quase podemos sentir isso fisicamente.
Você não acha que sentir vergonha pode ser saudável?
Trump provavelmente pareceria mais simpático se conseguíssemos ver que ele alguma vez sentiu vergonha.
Todo mundo está esperando ver esse filme em Cannes. Por que esperar até 2027, o que, como você disse, pode ser o caso?
Em fevereiro, veremos quanto tempo precisamos. Como diretor, o que seria ainda mais importante para mim é ver a dinâmica do cinema quando as pessoas o assistem. Preciso ser capaz de realizar exames de teste porque há muitos elementos sensíveis aqui, incluindo uma sequência de 15 minutos. Tive uma experiência dolorosa com “Play” porque não tive tempo para as exibições dos testes antes. Não vou me colocar nessa situação novamente. Além disso, quero maximizar o potencial dos meus filmes.
Muitos realizadores europeus, ao ouvirem “projecções-teste”, simplesmente corriam para as montanhas.
Eles estão completamente errados porque a experiência coletiva de estar no cinema muda o ritmo do filme. Não se trata de perguntar ao público: “Você gostou disso ou daquilo?” Trata-se de sentar com eles como diretor e sentir a energia da sala.
Comecei a fazer isto com “Força Maior”, “A Praça” e “Triângulo da Tristeza” porque senti que o cinema europeu tinha perdido a ligação com o público. Estava imitando e copiando uma certa tradição artística. Mas se você olhar para as décadas de 1960, 70 ou 80, a conexão com o público era muito melhor naquela época. John Cleese aprimorou o humor em “A Fish Called Wanda” após 12 exibições diferentes. Não se trata apenas de tornar as coisas confortáveis para eles. Mas é muita ignorância pensar que não é preciso considerar cuidadosamente como o público reagirá.
(A entrevista foi editada para maior clareza e concisão.)
