“Eu estava me rebelando contra tudo”, disse Gehry em uma entrevista ao The New York Times em 2012, explicando sua antipatia pelos movimentos arquitetônicos dominantes da época, como exemplificado pela Farnsworth House, na pradaria de Illinois, um pavilhão modernista de aço e vidro, austero e plano, de Mies van der Rohe.
“Eu não poderia morar em uma casa assim”, disse ele. “Eu teria que voltar para casa, limpar minhas roupas, pendurá-las corretamente. Achei que era arrogante e decadente. Simplesmente não parecia que combinava com a vida.”
O edifício Dr Chau Chak Wing projetado por Gehry na UTS Business School em Sydney.Crédito: Mídia Fairfax
Para alguns, seu trabalho era mais escultura do que arquitetura. Outros viam-na como emblemática de uma cultura global que reduzia a arquitectura a uma forma de marca. Gehry, cujo nome era reconhecido em todo o mundo, era por vezes ridicularizado como um “arquiteto-estrela”.
Mas a ferocidade emocional do seu trabalho pode parecer fortalecedora, como se a arquitetura tivesse redescoberto uma parte de si mesma que havia sido perdida após décadas de funcionalismo sombrio e clichês pós-modernistas. E o foco generalizado nos exteriores deslumbrantes dos seus edifícios poderia desviar a atenção dos objectivos mais profundos de Gehry: criar uma arquitectura que não fosse apenas comovente, mas também democrática em espírito e evocativa da confusão da vida humana.
Ele nasceu Frank Owen Goldberg em 28 de fevereiro de 1929, em Toronto, filho de Irving e Sadie (Caplan) Goldberg. Seu pai teve uma série de empregos, incluindo gerenciamento de uma mercearia e venda de pinball e caça-níqueis. Frank e sua irmã, Doreen, moravam com os pais em uma casa para duas famílias revestida de tijolos e telhas de papel alcatroado (um material que ele usaria em alguns de seus projetos).
Quando menino, ele trabalhou meio período na loja de ferragens de seu avô materno, abastecendo as prateleiras com ferramentas, parafusos e porcas – uma experiência, disse ele, que gerou seu amor pelos materiais do dia a dia.
O Walt Disney Concert Hall em Los Angeles, outra obra-prima de Gehry, foi inaugurado em 2003.Crédito: Imagens Getty
Uma vez por semana, sua avó materna voltava do mercado com uma carpa viva, outra experiência formativa, que inspiraria o imaginário do peixe que mais tarde apareceria em sua obra. “Nós o colocávamos na banheira”, lembra Gehry, “e eu brincava com esse peixe por um dia até que ela o matasse e fizesse peixe gefilte” (um prato tradicional judeu Ashkenazi).
O mundo de Frank desmoronou abruptamente em meados da década de 1940, quando seu pai, que bebia muito, teve um ataque cardíaco enquanto os dois discutiam no gramado da frente, uma memória que Gehry disse que o assombrou por décadas. Seu pai nunca se recuperou totalmente. Depois de um médico ter avisado que ele não sobreviveria a mais um inverno em Toronto, a família mudou-se para Los Angeles, alugando um apartamento apertado por 50 dólares mensais num bairro degradado a oeste do centro da cidade.
Como arquiteto, Gehry começou tarde. Após uma breve passagem pelo exército, ele se casou com Anita Snyder, que ajudou a pagar seus estudos na Universidade do Sul da Califórnia, onde inicialmente estudou cerâmica. Ele mudou para a arquitetura depois que um professor o apresentou a Raphael Soriano, um pilar do modernismo do pós-guerra no sul da Califórnia. (Foi também nessa época que ele adotou Gehry como sobrenome, uma escolha um tanto aleatória, inspirada, disse ele, pelo desejo de evitar o anti-semitismo.)
Gehry passou vários anos trabalhando como designer de nível médio e gerente de projetos na Gruen Associates, uma empresa conhecida por seus shopping centers. Depois de abrir seu próprio escritório em 1962, grande parte de seus primeiros trabalhos foi para desenvolvedores convencionais. Ele projetou uma ampla sede para a Rouse Co. em Columbia, Maryland, e duas lojas de departamentos comuns para Joseph Magnin na Califórnia.
‘Você entra na arquitetura para tornar o mundo um lugar melhor. Um lugar melhor para viver, para trabalhar, seja o que for. Você não entra nisso como uma viagem de ego.
Frank Gehry, falando em 2012
Mas ele era um estranho por natureza e começou a procurar inspiração além do trabalho de outros arquitetos. Como muitos habitantes de Angeleno, ele foi atraído pela atmosfera descontraída e vale tudo da cidade, cuja mistura de mansões berrantes, bangalôs frágeis, terrenos baldios, cafeterias Googie’s e outdoors coloridos era a antítese do academicismo arquitetônico da Costa Leste.
E ele se aproximou de uma geração de artistas de Los Angeles – Robert Irwin, Billy Al Bengston, Ed Moses, Larry Bell – cuja estética inspirada em pranchas de surf e espaços de trabalho brutos sugeriam uma alternativa à fria austeridade do modernismo tardio e às tendências reacionárias do pós-modernismo.
“Os artistas viviam em edifícios industriais e armazéns”, disse Gehry na entrevista de 2012 ao Times. “Eles estavam constantemente mudando as coisas – mudando os quartos, construindo lofts ou espaços de armazenamento. Era tão livre e inconsciente. Eu queria fazer isso.”
No final da década de 1960, Gehry e sua esposa se divorciaram e, em 1975, ele se casou com Berta Aguilera. Ela sobrevive a ele, junto com seus dois filhos, Sam, um designer arquitetônico, e Alejandro, um artista; uma filha, Brina Gehry, de seu casamento anterior; e sua irmã, Doreen Gehry Nelson. Outra filha de seu primeiro casamento, Leslie Gehry Brenner, morreu em 2008.
A abordagem de Gehry à sua casa em Santa Monica dividiu os críticos – e seus vizinhos.Crédito: wikipedia.org
Os Gehry compraram sua casa em Santa Monica, uma casa de dois andares com estuque rosa, em 1977. A pedido de Aguilera, ele começou a demoli-la.
A aparência rústica e inacabada da casa atraiu a atenção dos críticos de arquitetura, ao mesmo tempo que enfureceu os vizinhos. Mas as suas formas atormentadas – sugerindo um mundo que tinha sido rasgado e cuidadosamente remontado – tinham o seu próprio tipo de beleza. E o uso de materiais brutos e cotidianos foi a afirmação de Gehry de que a estética da classe trabalhadora com a qual ele cresceu poderia ser tão atraente quanto qualquer coisa encontrada nos cantos mais refinados da cidade.
Décadas depois, ele e Aguilera se mudaram da casinha que lhe trouxera fama e se mudaram para uma área mais luxuosa com vista para o Canyon de Santa Monica. Projetada com seu filho Sam, a nova casa era uma composição extensa, às vezes desajeitada, de postes e vigas angulares e de madeira pesada. No entanto, manteve algumas das qualidades ásperas da arquitetura anterior de Gehry, e suas formas empurrões refletiam uma busca ao longo da vida por liberdade emocional e criativa.
Gehry continuou trabalhando.
Uma vista interna do edifício da Fundação Luma de Gehry em Arles, França.Crédito: Imagens Getty
Em 2017, concluiu a Sala Pierre Boulez em Berlim, projetada em colaboração com o maestro Daniel Barenboim: um espaço compacto, em forma de caixa, com piso rebaixado e varanda elíptica flutuante, inserido em um austero edifício neoclássico da década de 1950. E em 2021, foi concluído o edifício da Fundação Luma em Arles, no sul da França; uma torre retorcida de tijolos de aço inoxidável, foi inspirada, em parte, no terreno rochoso da vizinha cordilheira dos Alpilles.
Quando morreu, Gehry estava concluindo vários projetos para o magnata dos bens de luxo Bernard Arnault, incluindo uma loja principal de 7.618 metros quadrados para a Louis Vuitton em Beverly Hills, Califórnia, e, em Paris, a conversão de um prédio abandonado da década de 1960 em um espaço de exposição e salão de eventos no mesmo quarteirão do edifício Arnault’s Fondation Louis Vuitton. Ele também estava dando os retoques finais em uma sala de concertos com 1.000 lugares para a Colburn School of Music, perto de seu Walt Disney Concert Hall, em Los Angeles.
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“Você entra na arquitetura para tornar o mundo um lugar melhor”, disse Gehry em 2012. “Um lugar melhor para viver, para trabalhar, seja o que for. Você não entra nisso como uma viagem do ego.”
Ele acrescentou: “Isso vem depois, com a imprensa e tudo mais. No começo, é bastante inocente”.
Este artigo foi publicado originalmente no The New York Times.
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