Los Angeles não é um centro de dança ou um deserto de dança. Não temos muito histórico de nutrir as principais empresas de balé. Temos muitas empresas menores: moderno, clássico e internacional.
Você pode ter que procurá -lo, mas em algum lugar alguém sempre dança para você.
Tentei três programas de dança muito diferentes no fim de semana passado em três lugares distintos em três cidades díspares e em três tipos de público. O alcance era enorme, mas as conexões, esclarecedores.
No grande final da escala, o Miami City Ballet trouxe sua recente produção de “Swan Lake” Al Segerstrom Hall em Costa Mesa, iniciando uma série de versões variadas do amado balé de Tchaikovsky neste verão. Será a vez de Boston Ballet no Music Center neste fim de semana. O San Francisco Ballet também entra no evento, dançando extratos no Hollywood Bowl como parte do Los Angeles Filemonic de Los Angeles deste ano “Tchaikovsky Spectacular”.
Em um cenário sólido da cidade da televisão no distrito de Fairfax, o American Contemporary Ballet, uma empresa de dança de Los Angeles por excelência que explora locais incomuns na cidade, apresenta o modernista clássico da George Balancchine “Serenade”, juntamente com um novo trabalho do fundador, coreógrafo da empresa, Lincoln Jones. Enquanto isso, na noite de sábado, o violinista Vijay Gupta e o dançarino Yamini Kalluri misturaram Bach e a tradição da dança da Índia kuchipudi no Playhouse de 99 assentos de Sierra Madre.
O Ballet da Cidade de Miami atraiu a atenção para o Mount, o que é chamado de “lago cisne” historicamente informado pelo notável coreógrafo treinado com Bolshoi, Alexei Ratmansky. Ele fez todo o possível para recriar a produção de 1895 no teatro MariunSky, na cidade natal, Ratmansky, em São Petersburgo.
O desempenho historicamente informado, ou quadril, é um termo carregado, e o “lago cisne” é um balé carregado. O quadril surgiu quando o movimento musical inicial descobriu que tentar recriar, por exemplo, a maneira pela qual uma ópera de alça poderia ter soado no século XVIII usando instrumentos de época com o que se acreditava ser técnicas de prática de tempo chato. Finalmente, o movimento percebeu que o uso dos instrumentos antigos de uma maneira alegre, imaginativo e contemporâneo causou a parecer recentemente vital, e ainda mais quando a encenação foi surpreendentemente atualizada.
O “Swan Lake” de Ratmansky é há muito tempo com os instrumentos modernos e o balé antigo e teve um começo desorientador no domingo à noite. A introdução de Tchaikovsky foi brilhantemente interpretada pela Sinfonia do Pacífico em uma sala escura que visa se preparar para entrar em um mundo diferente. Mas a orquestra moderna e os telefones de audiência brilhantes e brilhantes serviram apenas para nos lembrar que é 2025.
As orquestras do final do século XIX tinham mais instrumentos leves e mais enérgicos, uma qualidade que coincidiu com a coreografia da época. Mas quando a cortina de domingo subiu para paisagens arcaicas, figurinos, coreografia e desempenho, ele sentiu, nesse contexto, como se passeasse por uma loja de antiguidades pegajosa.
Dito isto, Ratmansky tem muito a oferecer. Voltar a 1895 pode, de fato, apontar a novidade. Não existe uma versão definitiva de “Swan Lake”. Tchaikovsky o revisou após a primeira versão de 1877, mas morreu antes de terminar o que se tornou a versão um tanto padrão em 1895. Mesmo assim, coreógrafos, dançarinos, produtores e até compositores adicionaram seus dois centavos. O balé pode terminar em triunfo ou tragédia. Siegfried e seu namorado Odette podem, individualmente ou juntos, viver ou se afogar. “Swan Lake” tornou -se familiar que os ornamentos modernos se tornam muito mais bagagens.
Nesse sentido, o compromisso de retornar ao futuro de Ratmansky com a modernidade é um excelente ponto de partida para repensar não apenas um balé icônico, mas também no próprio balé e nas origens de sua beleza única. Os dois atos de Swan mostram uma sincera delicadeza.
Cameron Catazar, um Siegfried do Athletic and Atlético, e Samantha Hope Galler, uma odte docemente inocente e animada de Odile, poderia ter sido magicamente maravilhosas figuras de palitos uma vez em movimento. O significado foi encontrado no impetuoso salto de Siegfried e o cisne preto estudou 32 fouettés. Todo o resto era distração.
Esse é precisamente o próximo passo que Balanchine levou 40 anos depois, em 1935, com sua “Serenada”, que usa o “Seren for Strings” de Tchaikovsky, escrito logo após “Swan Lake” composto. No primeiro balé de Balanchine desde que chegou aos Estados Unidos em 1933, o coreógrafo russo-georgiano queria criar um novo tipo de balé para um novo mundo, sem história, apenas um design impressionante.
Embora a ACB não tenha mencionado o fato, Balanchine se mudou para Los Angeles em 1938, três anos após a estréia americana de “Serenade”, para uma casa a apenas alguns quarteirões da Fairfax Avenue da Cidade da Television. Nos poucos anos que aconteceram em Hollywood, ele desempenhou um papel importante em fazer dança para os filmes que entraram no mundo.
No entanto, o ACB parecia ter filmes na mente no estágio de som sombrio com os dançarinos iluminados como em um filme em preto e branco. Mas com o público nas bancas muito próximas ao estágio improvisado, os músicos não foram vistos por trás dos assentos e dos dançarinos de perto, havia também uma intimidade acentuada que expôs o esforço exigente para recriar a beleza dos degraus de Balanchine. O efeito deveria ser na época e, ao mesmo tempo, entrar no futuro.
“Serenade” foi precedido pela estréia de “The Euerpides”, um balé curto com uma pontuação Soul Deutscher. O compositor britânico, pianista, violinista e diretor de 20 anos escreveu sua primeira ópera, “Cinderela”, que foi produzida pela ópera San José e em outros lugares, aos 10 anos. “The Euerpides” é seu primeiro balé e oferece sua própria marca de viagens no tempo.
Cada variação em uma melodia da valsa viennesa para cordas e piano representa uma das musas gregas clássicas. A pontuação soa como se poderia ter sido escrita no dia de Tchaikovsky, embora Deutscher use técnicas contemporâneas para revelar o caráter de cada musa. “Pneume”, a deusa da respiração, recebe uma batida adicional aqui e ali, um pouco tendenciosa o ritmo.
Jones é baseado em um vocabulário de dança, evoluído por Balanchine, para as cinco mulheres, cada uma das quais é uma musa, assim como o mortal masculino usado para um último PAS de Deux. A história, aqui, em última análise, sobrecarrega a nova encenação em um elegante ambiente contemporâneo.
Gupta faz a maior conciliação entre então e agora em seu brilhante “quando o violino”. Na superfície, convida uma troca cultural intrigante ao realizar violino solo de Bach, Partita No. 2 e Sonata No. 3, com Kalluri explorando maneiras pelas quais você pode expressar o humor ou encontrar atividade rítmica em movimentos selecionados. Ela usa um vestido moderno e está tão em sintonia com a música que a separação de culturas parece tão facilmente queimando quanto a dos períodos históricos.
Bem conhecido em Los Angeles, tendo ingressado no Phil em 2007 aos 19 anos, Gupta encontrou o Street Symphony, que serve comunidades sem -teto, e para se tornar um TED falador inspirador. Ele recebeu uma bolsa de estudos de MacArthur e, desde que deixou Phil, um artista regular da cidade em programas de câmeras e toca um violino barroco na equipe musical com sede em Los Angeles Tesserae.
Para “quando o violino”, Gupta usa um instrumento moderno em um estilo contemporâneo altamente expressivo, mantendo notas e expandindo o tempo como se um sarabande pudesse se tornar um raga. Ele faz uma pausa para recitar poesia, sufi ou rilke. Seu tom é grande, ousado e emocionante, especialmente no maravilhoso acústico deste pequeno teatro. As peças de Bach estão ligadas pelo compositor Reena Esmail, que afeta apenas “quando o violino”, no qual os mundos de Bach, a música indiana e a dança kuchipudi parecem vir do mesmo senso profundo de pertencer e pertencer aqui e agora.
Ele só pegou um violinista e um dançarino para mostrar que não importa o quão grande é o alcance, as conexões são, em tal dança, inevitáveis.
