Já foi dito inúmeras vezes que para um artista novo, especialmente um de sucesso, o segundo álbum é exponencialmente mais difícil que o primeiro. Há a ameaça constante da crise do segundo ano, e o velho ditado que o artista teve a vida inteira para escrever o primeiro álbum e apenas um minuto livre para escrever o segundo. Mas desafios mais íngremes e ainda mais sutis também estão envolvidos: até que ponto você pode mudar ou progredir artisticamente sem alienar as pessoas que amaram seu primeiro álbum e, ao mesmo tempo, não se repetir?
Não surpreendentemente, com o seu segundo álbum, a cantora britânica Raye avançou destemidamente.
Sua determinação em fazer música em seus próprios termos – rompendo com sua gravadora e lançando seu primeiro álbum de forma independente – valeu a pena enormemente quando aquela estreia, “My 21st Century Blues”, ganhou um recorde de seis BRIT Awards em 2024 e também recebeu quatro indicações ao Grammy. E como mostra o gloriosamente extenso “This Music May Contain Hope”, ela não está disposta a mudar essa abordagem agora.
Basta dizer que o álbum não carece de ambição: dividido em quatro seções baseadas nas estações, ele se estende por 70 minutos surpreendentemente rápidos, 17 músicas e quase o mesmo número de estilos. Inevitavelmente, corre o risco de ser demais para alguns ouvintes: muitas músicas, muitos pivôs estilísticos, muito de… bem, basicamente tudo. Este não é um álbum para ouvir em segundo plano – basicamente exige sua atenção.
Mas, como artistas de Queen a Beyoncé provaram, ambição e excesso podem ser coisas gloriosas quando implantados com inteligência e humor, e embora não estejamos equiparando Raye a nenhum dos itens acima, há um sentimento semelhante aqui de confiar no artista para levá-lo em uma viagem interessante sem perder seu tempo … pelo menos não muito (não reproduziremos sua recitação de cinco minutos dos créditos de encerramento do álbum tão cedo, um gesto agradável, embora tedioso).
Então, o que há nessa viagem? Uma combinação improvável dos dois artistas acima vem à mente: Beyoncé nas faixas com tendência R&B e nos backing vocals maravilhosamente empilhados; e, inesperadamente, Freddie Mercury, porque a ampla, mas surpreendentemente focada variedade de estilos musicais (muitas vezes muito britânicos) deste álbum lembra a obra-prima do Queen de 1975, “A Night at the Opera”. Há R&B, pop, soul old-school, vaudeville, uma faixa acústica, big band, várias músicas que parecem ter sido tiradas de musicais (particularmente a sacudida “Click Clack Symphony”, completa com uma enorme partitura orquestral de Hans Zimmer), uma participação especial da lenda do soul Al Green, e participações especiais de seu avô, bem como de suas duas irmãs, Absolutely e Amma, ambas cantoras poderosas também (o ambicioso e excelente novo álbum de Absolutely). “Paracosmo” de alguma forma escapou do radar no início deste ano). O álbum é tão multissegmentado que alguns dos momentos mais memoráveis são na verdade partes de músicas, como o refrão sem palavras de “I Know You’re Hurting” e o lindo ritmo estilo Jamie XX de “Skin & Bones”.
Escusado será dizer que é muito para processar, e Raye deixa claro o que vem desde o início: o álbum abre com uma introdução falada definindo o cenário, seguida pela épica e sinistra “I Will Overcome”, completa com uma orquestra estrondosa, coro e vocalista de ópera; o ouvinte mal respira antes que haja um forte giro na animada e vampírica “Beware… the South London Lover Boy”. E a partir daí ela parte para as corridas.
A maioria dos singles do álbum são colocados na segunda metade, com as faixas R&B dominando a poderosa seção “Spring” do álbum. No entanto, mesmo essas músicas se estendem por vários estilos, desde a vibração mais sombria de “Goodbye Henry”, de Al Green, até a balada lenta “Nightingale Lane”, encerrando com o encerramento lateral, “Skin & Bones”, de Aretha Frankin. No entanto, esse lado começa com a música mais vaudeville do álbum (e nossa favorita), um pastiche veloz no estilo jazz dos anos 1930 com uma melodia de montanha-russa que – e isso vai soar completamente insano – traz uma entrega cômica às letras sobre vergonha corporal e insegurança, completa com um coro masculino de chamada e resposta que soa como se devessem usar smoking e cartola.
O álbum chega ao seu capítulo final com a alegre música R&B “Where the Hell Is My Husband?” antes de passar para o segmento familiar (com seu avô e irmãs), depois em direção à saída com Philly Soul de “Happier Times Ahead”, terminando o álbum com uma – ligação temática – nota esperançosa, antes de uma breve música final do tipo “Mágico de Oz” que leva aos créditos.
Há muito o que absorver – orquestras, coros e trompas e, ocasionalmente, batidas intensas – mas o mais impressionante é a líder, a própria Raye, não apenas por trazer esse jato jumbo de um projeto para um pouso seguro, mas acima de tudo como compositora e cantora: ela ronrona, cintila e voa; algumas de suas melodias e letras são tão rápidas e polissilábicas que seriam trava-línguas se faladas por uma pessoa comum, mas ela as reproduz com a facilidade de um atleta olímpico. (E ainda nem chegamos às quase 3.800 palavras da letra, que tratam basicamente de superação de obstáculos, resiliência e crença em si mesmo.)
Sim, é um inferno: um álbum exagerado, ambicioso demais e com quase tudo, mas considerando o escopo e o tamanho, ele também é notavelmente focado e se move através de uma variedade estonteante de temas e estilos com surpreendente rapidez. No entanto, por mais profundamente pessoal e obscuro que o tema possa às vezes ser, o otimismo do álbum é um som bem-vindo em meio ao drama diário e ao trauma dos novos ciclos de hoje.
