Uma história assustadora de um adolescente maltrapilho que coloca a riqueza antes do amor, o indicado ao Oscar “The Girl Who Cried Pearls” também é o mais recente curta de animação do National Film Board of Canada e dos roteiristas e diretores Chris Lavis e Maciek Szczerbowski, que concorre a uma indicação ao Oscar este mês.
‘The Girl Who Cried Pearls’ já é um dos cinco títulos indicados ao 53º Annie Awards na categoria de melhor curta, anunciado na segunda-feira.
Uma indicação ao Oscar seria a segunda de Lavis e Szczerbowski, depois do notável “Madame Tutli-Putli” (2007) e a 39ª do National Film Board para um curta de animação. O NFB é classificado como a terceira entidade mais indicada nessa categoria, depois da Disney e da MGM, como observou a presidente do NFB, Suzanne Guèvremont, à Variety pouco antes do Festival de Animação de Annecy de 2025.
Com força emocional, mas também uma fábula sobre a ganância de ter cuidado com o que você deseja, “”The Girl Who Cried Pearls” é ao mesmo tempo uma ode ao artesanato dos bonecos em stop-motion e uma mistura inovadora de bonecos táteis com inovação digital, reafirmando o status de Lavis e Szczerbowski como pioneiros na animação contemporânea, observou a Variety.
“The Girl Who Cried Pearls” começa em Paris com a câmara a aproximar-se de uma mansão de mármore branco numa rua arborizada com vista para a Torre Eiffel – o epítome do sucesso burguês. A neta de seu dono, um velho críquete, descobre uma pérola em um porta-maçã vermelha. “De todos os tesouros da sala, você adivinhou o que é mais precioso para mim. Parece que alguém descobriu meu segredo”, confessa seu avô, de bom grado.
Pressionado pela neta a dizer qual é o segredo, ele conta a história de quando era um garoto de rua sem-teto em Montreal, na virada do século 20, que espionava uma jovem cujas lágrimas se transformavam em pequenas pérolas iridescentes. Ele se apaixona por ela, diz ele, mas também consegue duas pérolas que vende a uma casa de penhores – e se propõe a fazer a garota chorar mais, partindo seu coração.
Ao longo da sua carreira, Lavis e Szczerbowski beberam profundamente do surrealismo, o movimento artístico que inspirou muitas das realizações do século XX que se propuseram a condenar a racionalidade e o sentido de propriedade das classes médias, estimulando o funcionamento do inconsciente, do acaso e da falta de controlo criativo.
“Madame Tutli-Putli”, o filme candidato ao Oscar de 2008 que chamou a atenção de Lavis e Szczerbowski, se desenrola, por exemplo, como o sonho febril de uma melindrosa burguesa dos anos 1920, sonhada muitas décadas depois. A narrativa imagina sua versão mais jovem sem casa e depois em um trem onde a lógica é substituída pelo acaso enquanto ela enfrenta seus medos mais profundos: sexo, roubo, desamparo, a morte de outras pessoas (o trem tem um vagão-restaurante parecido com um necrotério) e a inevitabilidade da extinção (ela retrata uma mariposa atraída para a luz no final do filme). Ou essa pelo menos poderia ser uma interpretação.
Um artigo muito útil no blog do Canada National Film Board cita Lavis e Szczerbowski sobre como sua animação em “The Girl Who Cried Pearls” foi moldada por um feliz acidente. Um caso em questão: a maquete original da casa decrépita onde o menino se abriga do frio do inverno foi deixada para secar fora do ateliê. Mas uma tempestade inesperada de chuva atingiu e quando Lavis e Szczerbowski retornaram, a hélice estava deformada.
“Parecia muito melhor assim, então incorporamos as deformações no modelo final”, dizem eles.
Modelo para a casa em ‘The Girl Who Cried Pearls’ Crédito: National Film Board of Canada
Isto faz lembrar uma anedota sobre como o grande surrealista Luis Buñuel estava sentado no bar Chicote, em Madrid, a beber dry martinis, tentando descobrir como poderia escalar Angela Molina para o papel da suposta femme fatale de “O Obscuro Objecto do Desejo”, quando já tinha Carole Bouquet sob contrato. Buñuel percebeu que o filme funcionaria muito melhor se os dois fossem escalados para o mesmo papel.
“The Girl Who Cried Pearls” enquadra uma história dentro da história do filme, parte ambientada talvez 70 anos depois, cujos trechos finais não podem ser descritos sem revelar vários spoilers. É seguro dizer, no entanto, que eles acrescentam vários níveis de riqueza narrativa e reforçam a presciência social do filme em épocas passadas e presentes de ganância desenfreada.
O curta de 17 minutos também é uma arte de animação do mais alto nível, vista nos extraordinários detalhes de uma casa de penhores, conferindo-lhe uma autenticidade envolvente. As cabeças dos bonecos no passado eram moldes de silicone com múltiplas camadas de pintura a óleo para parecerem madeira envelhecida. O filme usa argila e impressão 3D de plástico e os cenários são esfregados com tinta espalhada em sacos de lixo para fazê-los parecerem desgastados pelo tempo.
A Variety conversou com Lavis e Maciek Szczerbowski sobre “The Girl Who Cried Pearls”, que, produzido pelo National Film Board, foi um dos cinco curtas que abriram o Festival de Annecy de 2025.
Também ganhou o Short Cuts Award de melhor curta-metragem canadense no Festival de Toronto e o Canadian Film Institute Award de melhor animação canadense no Ottawa International Animation Festival, o segundo festival de animação mais importante do mundo.
Numa conversa com o compositor Patrick Watson e a diretora artística Brigitte Henry sobre a realização de “The Girl Who Cried Pearls”, você diz, Maciek, que “sem a história certa, não há valor” em mais nada. O avô diz quase a mesma coisa no final do filme. Suspeito aqui, como no filme em geral, que uma das chaves foi o longo tempo que você gastou fazendo-o, o que talvez tenha permitido que você evoluísse tudo, inclusive a história, mais do que o tradicional na animação.
Maciek Szczerbowski: Esta foi a nossa primeira história completamente dependente da história. Brincamos que costumamos fazer filmes experimentais e o experimento dessa vez foi fazer algo tradicional. Na maior parte, temos explorado os mundos da lógica dos sonhos e dos acidentes dadaístas que criam histórias de uma forma simbólica que tentamos curar e controlar. Aqui o truque era contar uma história muito específica e concisa. Se você não compreender os dois ou três momentos cruciais, provavelmente isso não significa nada. O resultado foi quase como contar uma piada: o momento certo. Boa entrega.
Você poderia dar um exemplo inicial de um momento crucial?
Szczerbowski: Apenas uma frase simples e quase perdida que o menino conta sobre como passava os dias no antigo porto de Montreal, como roubava caixas que caíam dos navios.
Chris Lavis: Você está absolutamente certo sobre como a história evoluiu à medida que trabalhamos nela. Esse é um elemento crucial para o processo. Tínhamos animado e editado o filme e assistido a uma primeira versão e não funcionou. Não foi virtuoso em nenhuma escala. Estava gaguejando. Não tinha estrutura adequada. Foi confuso. Duas coisas aconteceram. Nosso compositor, Patrick Watson, sugeriu que precisava que o filme passasse mais tempo no passado, sem voltar ao presente, para que ele pudesse construir a música de maneira adequada.
E o segundo?
Lavado: Não parecia que o avô estava contando uma história. Os personagens estavam apenas conversando com a voz do avô. O que fizemos – talvez o truque mais antigo dos cineastas depois daquela primeira edição infernal – foi voltar ao primeiro impulso: o tratamento original que demos ao National Film Board of Canada. Tínhamos escrito isso como um conto. Aquelas pequenas pontes narrativas que faltavam no diálogo do avô estavam presentes no tratamento original. Quando os incluímos de volta no filme, foi como Eureka! De repente, o filme ganhou estrutura e forma.
O que se conecta ao comentário do avô de que “É sempre a história que dá valor a alguma coisa” e é a história de uma menina cujas lágrimas se transformam em pérolas é o que mais impressiona os espectadores do filme….
Lavado: A história tem dois pilares. Primeiro, estávamos realmente interessados nesta ideia do avô, sendo extremamente rico, abastado e poderoso, no final da sua vida, descobrindo a sua neta roubando algo do seu escritório e contando-lhe o seu segredo mais obscuro. O segundo pilar é a ideia de que contar histórias por si só cria crença e valor.
Szczerbowski: De muitas maneiras, é um comentário sobre o que pessoas como nós ou escritores fazem. Você está tirando valor do nada ao inventar uma narrativa, ao construir uma mitologia em torno de um objeto que de outra forma poderia ter se tornado totalmente inútil e ao transformá-lo em algo que poderia acabar em um museu ou ser inestimável.
A narração de histórias remonta aos primórdios da humanidade. “The Girl Who Cried Pearls” poderia de fato ser considerado, em alguns aspectos, tradicionalista e, em outros, altamente inovador, como Variedade notado do seu trabalho em geral. Fazer o filme muitas vezes consistia em usar o novo ou fazer com que o novo parecesse velho…
Szczerbowski: Queríamos que a história parecesse ter sido encontrada em uma caixa de 50 anos atrás. Esse é o objetivo desse processo de envelhecimento e uso de sacos de lixo e tinta. A tinta a óleo serve para afastar o autor do processo de certa forma. Especialmente quando você está criando uma fábula, você não quer que pareça que dois caras estavam sentados inventando uma fábula. Deveria parecer que veio do inconsciente coletivo.
Um artigo altamente útil no blog do National Film Board cita como sua animação foi moldada por um feliz acidente. Um caso em questão: como você incorporou a versão deformada e encharcada de chuva da sua maquete original no modelo final.
Lavado: Chamamos o acaso de colaborador invisível.
Szczerbowski: Isso faz parte da nossa educação, eu acho. A certa altura, estávamos lendo um artigo sobre Frank Gehry, o arquiteto. Ele construiria uma maquete para um prédio que estava projetando e quando atingisse um determinado nível de satisfação onde ele sabia que poderia realmente ter parado, ele a jogaria pela janela e pegaria o elevador até a calçada, recolheria todas as peças e colaria novamente, sabendo que nunca mais se encaixaria perfeitamente, que haveria um elemento de caos e acidente. O que John Cage chama de indeterminação. Algo lindo acontece. Você precisa ter alguma experiência em remover seu próprio ego do trabalho para poder brincar com essas coisas.
Lavado: Você também fica cansado de suas próprias decisões. É isso que o torna interessante.
Szczerbowski: E você está ansioso para surpreender. O objetivo de trabalharmos em colaboração é ansiar por esses momentos em que esse tipo de indeterminação acontece, seja por causa de uma tempestade ou pela intervenção de outra pessoa. Normalmente, o que você obtém no final é algo realmente diferente do que você pensava que seria. Para alguns isso pode ser um fracasso, mas para nós é sempre uma bênção.
