O boom é real. A ambição é maior.
Quando a cinebiografia de Robbie Williams, “Better Man”, precisou recriar Stoke-on-Trent – uma cidade industrial inglesa com pouca semelhança óbvia com o Pacífico – a produção simplesmente fugiu para Queensland. “Nada se parecia com a Austrália e conseguimos fazer isso”, diz Craig McMahon, CEO da Forte Corp Holdings, que co-financiou o filme. “E esse ainda era um filme australiano e foi feito aqui. Temos a capacidade de fazer isso aqui.”
Não é a primeira vez que a Austrália consegue esse truque. Quando “Elvis” de Baz Luhrmann precisou reconstruir Memphis do zero – incluindo uma recriação de cinco quarteirões da Beale Street em um antigo lixão da cidade de Gold Coast – a produção fez isso inteiramente na Austrália, com efeitos visuais 100% australianos. As recriações foram tão convincentes que os visitantes do Tennessee acreditaram que o filme havia sido filmado no local. Falando num seminário da MPA no Festival Internacional de Cinema de Tóquio em Outubro passado, o produtor de “Elvis” Schuyler Weiss – que trabalhou com Luhrmann durante duas décadas na “Austrália”, “O Grande Gatsby” e “Elvis” – descreveu o sistema de incentivos que o torna possível como um dos mais sofisticados e acessíveis do mundo.
Essa capacidade de estar em qualquer lugar de forma convincente e ao mesmo tempo permanecer enraizado na Austrália captura algo essencial sobre a situação atual do setor de telas do país. De acordo com o Drama Report da Screen Australia, os gastos com produção de drama atingiram um recorde de AUD 2,7 bilhões (US$ 1,93 bilhão) em 2024-25 – um aumento de 43% em relação ao ano anterior – com quase AUD 1,3 bilhão (US$ 929 milhões) provenientes de produções internacionais que quase triplicaram de valor entre 2023-24. Produtores, financiadores e diretores de cinema falando com a Variety descrevem um setor que está ganhando um impulso genuíno enquanto molda ativamente uma agenda de longo prazo: aproveitando a forte atividade econômica para aprofundar a narrativa local, fortalecer a força de trabalho e estabelecer uma propriedade de propriedade intelectual mais durável.
O número recorde tem um claro fator estrutural. Uma compensação de localização reformada – agora um desconto federal permanente de 30%, somado a incentivos a nível estadual de até 15% dependendo do território – tornou a Austrália um dos principais destinos de produção mais competitivos em termos de custos no mundo de língua inglesa. Adicione uma taxa de câmbio favorável e uma base de tripulação qualificada construída ao longo de décadas de trabalho de serviço e você terá, como diz McMahon, um orçamento líquido que se torna “super acessível, especialmente neste clima”. Só vinte filmes internacionais geraram um recorde de 1 bilhão de dólares australianos (715 milhões de dólares) em despesas locais em 2024-25, enquanto os títulos internacionais de TV e VOD contribuíram com mais 458 milhões de dólares australianos (327 milhões de dólares).
Dos 174 títulos que entraram em produção durante o período, 71 eram australianos – abaixo dos 89 do ano anterior – com as produções locais representando 40% das despesas totais, contra 50% em 2023-24. Os gastos com títulos australianos aumentaram 14%, para AUD 1,1 bilhão (US$ 786 milhões), impulsionados por um conjunto de recursos de alto orçamento e produções de plataformas de assinatura. Na TV e no VOD, os títulos, as horas e os gastos gerais diminuíram em relação ao ano anterior, sendo o custo por hora a única métrica a aumentar – um padrão consistente com um impulso de conteúdo premium e pressões crescentes sobre os custos de produção. Os gastos com programação infantil caíram para AUD 34 milhões (US$ 24 milhões), 41% abaixo do ano anterior.
“É um momento de recalibração para a indústria”, diz McMahon. “Para obter luz verde para um projeto, a comercialidade do projeto realmente precisa aumentar. O mercado de pré-venda não é tão forte como era antes.”
O CEO da Screen Producers Australia, Matthew Deaner, interpreta a mudança na composição da indústria como um convite para aprimorar a estratégia. “Há por vezes uma tensão entre muito trabalho internacional e trabalho local”, reconhece, observando que a queda de 89 para 71 títulos australianos que entram em produção é um número que o sector está a acompanhar de perto. Mas ele está igualmente certo de que o momento atual apresenta oportunidades. “Temos que estar atentos à expansão desse trabalho para que possamos obter os benefícios do desenvolvimento da propriedade intelectual, do crescimento e da exportação que acompanham a história local.”
Essa questão da PI tornou-se uma das discussões políticas mais animadoras do sector. Deaner argumenta que a resiliência a longo prazo depende de as empresas de produção australianas manterem a propriedade daquilo que produzem – apontando para o modelo “Bluey”, onde uma empresa que mantém elementos da produção no seu ADN tem sido capaz de gerar trabalho contínuo a partir dessa base, como o modelo que vale a pena construir. “Construir propriedade intelectual faz parte dessa história”, diz ele. “Estabilizamos a nossa indústria através de empresas que são donas do trabalho que geram e podem gerar outro trabalho a partir desse próprio recurso e não estarem constantemente em serviço.”
Para Emmanuel Pappas, fundador da Asia Pacific Pictures, com sede em Sydney, que retornou à Austrália depois de anos na Warner Bros. em Los Angeles, a resposta está além das fronteiras da Austrália. “As coproduções são realmente o foco do país, porque é preciso levar seu projeto além do pequeno tamanho de mercado que temos”, diz ele à Variety. A Austrália mantém relações ativas com o Canadá, a Irlanda, a Nova Zelândia e o Reino Unido, com um novo tratado com a Índia começando a gerar atividade. Pappas está atualmente estruturando um acordo tripartido que abrange Austrália, Ásia e Europa – um modelo que, segundo ele, transforma a proposta comercial de um projeto. “O que isso nos permite fazer é um filme europeu e aproveitar os benefícios do lançamento nacional, além dos benefícios do lançamento europeu, o que nos torna um projeto muito mais atraente para vendas”, diz ele. “É assim que os produtores australianos precisam pensar.”
Ele vê um papel regional mais amplo para a Austrália na Ásia-Pacífico – um papel que permitiria aos produtores locais participar em projectos de baixo orçamento em mercados como a Indonésia ou a Malásia. “Há um benefício recíproco para ambas as indústrias e um enriquecimento para ambas as culturas”, diz Pappas. “Continuo defendendo que o governo realmente analise isso e crie alguns mecanismos – permitindo que a Austrália seja realmente o nexo dentro da Ásia-Pacífico.”
A dimensão da força de trabalho é abordada diretamente pela Análise de Infraestrutura e Capacidade de Produção (PICA) conduzida pela Olsberg•SPI e divulgada recentemente pela Screen Australia. O estudo afirma a posição da Austrália como um centro de classe mundial para conteúdo de alto valor, ao mesmo tempo que identifica quatro áreas que requerem atenção concentrada: escalabilidade empresarial, desenvolvimento de competências, progressão na carreira e coordenação de infra-estruturas. Para a produção física abaixo da linha, as funções em que os contratantes veem maior necessidade de capacidade são Produtor de Linha, Gerente de Local, Contador de Produção, Coordenador de Produção e Gerente de Produção. Na pós, efeitos digitais e visuais (PDV) e animação, Supervisor de efeitos visuais, Diretor Técnico e Editor estão entre os sinalizados.
Quase metade (47%) dos inquiridos na área da produção física tinham um mandato na indústria superior a 20 anos – um reflexo da profundidade da experiência do setor e igualmente um incentivo para investir no próximo grupo de talentos em meio de carreira que transitam pelo pipeline. A transferência de competências entre grandes produções internacionais e a produção cinematográfica local é um modelo que já demonstra resultados: depois de “Elvis” terminar na Gold Coast, Weiss produziu o filme australiano de menor dimensão “How to Make Gravy”, dando aos membros do departamento da grande produção os seus primeiros papéis de chefe de departamento numa longa-metragem.
Deaner enquadra o argumento do desenvolvimento de talentos em termos do que a indústria precisa para sustentar os ganhos que obteve. “Não é fácil colocar um diretor iniciante em um projeto com um orçamento muito grande”, diz ele. “Portanto, temos de garantir que há sempre projetos mais pequenos – potencialmente projetos que não apresentam o nível de risco que um projeto de grande orçamento pode ter – para formar e desenvolver o setor.”
Grainne Brunsdon, COO da Screen Australia, diz que as descobertas são um recurso sobre o qual a indústria está bem posicionada para agir. “O setor de telas da Austrália está em um momento de força e oportunidade estratégica”, diz ela. “Enfrentamos muitos dos mesmos ventos contrários que a indústria global, mas a nossa abordagem é vê-los como oportunidades onde podemos e procurar novas áreas de colaboração. Certamente ajuda que tenhamos confiança a nível mundial, ofereçamos incentivos de classe mundial, facilitemos um famoso programa de coprodução e que a procura para trabalhar com equipas e criativos australianos permaneça forte.”
A infra-estrutura está a expandir-se juntamente com a ambição. Um novo estúdio em Perth está operacional. Nova Gales do Sul está recebendo manifestações de interesse para um segundo grande estúdio em Sydney. As despesas com PDV atingiram AUD 762 milhões (US$ 545 milhões) em 2024-25, um aumento de 33%, refletindo a demanda consistente pelas capacidades de pós-produção da Austrália. O estudo PICA recomenda basear-se nesta base através de uma melhor coordenação no planeamento de fases sólidas e na preservação de terrenos industriais para armazenamento relacionado com ecrãs – medidas proactivas em vez de reativas.
A regulamentação do streaming acrescenta uma dimensão adicional. As cotas de conteúdo local para plataformas tornaram-se políticas em Novembro de 2025, e a indústria está agora a avaliar o seu efeito prático. McMahon é totalmente favorável. “Qualquer medida que o governo esteja tomando para ajudar a garantir que os gastos com dramas locais dos streamers sejam estimulados só pode ser algo positivo”, diz ele. Deaner enquadra a próxima fase como uma fase de monitoramento e refinamento: “Queremos ter certeza de que também está funcionando. É adequado ao propósito”. Pappas, por sua vez, vê o quadro de quotas como um potencial catalisador para a coprodução, argumentando que os projetos estruturados em vários territórios irão satisfazer as obrigações de conteúdo local e, ao mesmo tempo, abrir os mercados internacionais. “Do ponto de vista do streamer, acho que isso apenas ampliará a oportunidade para os streamers realizarem um projeto que funcione em vários territórios que atendem.”
O que une estes fios é a confiança partilhada de que as condições estruturais estão criadas – e de que o trabalho agora consiste em canalizá-las com intenção. Para Pappas, isso significa construir pontes de distribuição para que o investimento público nas histórias australianas viaje mais longe e tenha mais retorno. Para Deaner, significa proteger a propriedade intelectual que sustenta a sustentabilidade dos negócios em todos os ciclos de produção. Para McMahon, significa ampliar a capacidade de financiamento para que mais projetos cheguem às telas, independentemente das condições do mercado.
Os números recordes refletem um setor que tem feito o trabalho árduo para se tornar indispensável ao panorama produtivo global. A conversa na Austrália neste momento é sobre o que acontece com essa posição.