A pesquisa modesta mas picante de Noah Davis no UCLA Hammer Museum é um evento bem -vindo. Isso faz um longo caminho para a fusão do artista com sede em Seattle, com sede em Los Angeles, que foi atacado por um raro câncer de lipossarcoma em 2015, quando tinha apenas 32 anos.
O programa afirma seu presente do que era: Davis era um pintor de pintor, uma voz negra profundamente reflexiva e idiossincrática ouvida por outros artistas e fãs, mesmo quando seu trabalho estava em um desenvolvimento vigorante. Artistas talentosos geralmente entram em uma expressão constantemente madura aos 30 anos, o momento em que o crescimento acelerado de Davis foi brutalmente interrompido. As três dúzias de pinturas do programa são compreensivelmente desiguais, mas quando Davis era bom, foi muito bom.
Essa capacidade intrigante ressoa na primeira imagem, “40 acres e um unicórnio”, que fica sozinho na entrada do programa para marcar o início de sua carreira. Davis tinha 24 anos e estudou em Cooper Union, em Nova York, e na Escola de Artes Montanha que conduz o artista em Los Angeles em Los Angeles em 2007 não é grande, 2 ½ pés e um pouco mais estreita, mas lança um feitiço.
Na arte ocidental, um homem em um cavalo é um formato clássico que representa um herói, mas aqui Davis fica um jovem negro para horconizado em um unicórnio mítico, especialmente branco, seu bege bege butk que brilha no meio da paleta neutra de outra pessoa da pintura. É fácil ver os jovens como o artista e a substituição de um cavalo de arte histórico também para uma mula. Esse animal foi prometido a milhares de pessoas anteriormente escravizadas perto do final da Guerra Civil, juntamente com 40 acres de terras confederadas em que haviam trabalhado, não compensado e maltratado, o que enriquece o tipo de planta branca.
Noah Davis, “40 acres e um unicórnio”, 2007, acrílico e guache na tela
(Anna Arca)
A promessa de 1865 de redistribuir terras confiscadas como restituição aos afro -americanos por sua escravidão não durou um ano antes de ser anulada, repara como raro, único e desejável como um unicórnio, oferecido por uma espécie de insuficiência branca não confiável. (Se a redistribuição de 1865 tivesse ocorrido, imagine onde poderíamos estar hoje, uma vez que as crueldades racistas iniciadas pelo governo federal estão se esgotando.) Davis, colocando pelo menos um eu simbólico na parte de trás do unicórnio, afirma claramente sua confiança social e cultural. A arte é a imaginação feita e, como um artista negro americano, ele a avançará.
Talvez a característica mais bonita da tela seja a rica tinta acrílica preta na qual ele e seu corcel, ambos renderizados em véus macios de Gouache Delgado, estão incorporados. A abstração negra luminosa que dominava a superfície foi visivelmente pintada após as figuras, que sentem que são mantidas em seu abraço.
Trinta pinturas em tela e 21 papel são instaladas cronologicamente, o trabalho de papel selecionado de 70 feito durante a longa hospitalização de Davis. As camadas de topicicidade, sensibilidade à cor, ancestrais históricos da arte e figuração e abstração em “40 acres e um unicórnio” são repetidos durante o breve período de oito anos. (O Itinerant Show foi organizado pela Galeria de Arte Barbican em Londres com Das Minsk, uma sala de exposições em Potsdam, Alemanha). A pintura mais abstrata está sozinha na parede na sala ao lado e demonstra as estratégias exploratórias incomuns de Davis.
Intitulado “None”, uma forma geométrica de quatro lados é representada em pintura plana da casa roxa em linho, a 5 pés quadrados. A diferença de camadas nos materiais, uma imagem construída com pintura prática e doméstica sobre apoio refinado e artístico, é notável. A forma irregular, por mais bidimensional, parece passar e se curvar no espaço dinâmico. Sugere um riff de 2008 sobre o longo e rico legado das abstrações geométricas radicais e revolucionárias de Kazimir Malevich de 1915.
Noah Davis, “ninguém”, 2008, tinta doméstica em lino
(Christopher Knight / Los Angeles)
A referência à vanguarda russa -garde lembra que a arte de Malevich era chamada de suprematismo, o que levou à hierarquia acadêmica das regras estéticas em favor da “supremacia do puro sentimento artístico”, mais famoso representado como uma praça negra pintada. Aqui, ele se transforma em um sabão inevitável em um mundo artístico moderno aparentemente liberal, de fato, ainda dominado por não examinada supremacia branca.
“Ninguém” tece arte e história social de uma maneira surpreendente. É uma das três abstrações geométricas que Davis fez, suas formas com base na ligação do mapa de um estado de campo de batalha no ano eleitoral revolucionário que levou Barack Obama à presidência.
O Colorado, um estado cuja forma é um retângulo simples, passou de George W. Bush em 2004, enquanto a cor secundária da tinta roxa de Davis foi criada combinando dois pigmentos primários: vermelho e azul. A cor roxa também carrega sua própria referência reconhecível e ressonante, incorporada na consciência popular para o romance vencedor do prêmio Pulitzer de Alice Walker e o filme bem -sucedido do livro de Steven Spielberg, um detentor de discos da distinção duvidosa, ligada à maioria das indicações do Oscar (11) sem uma vitória. O retângulo roxo portado de Davis parece estar no meio do Volta.
O fato de Davis exibir, mas finalmente pintou nos outros dois trabalhos em sua série geométrica, poderia sugerir alguma insatisfação com sua natureza certamente sombria. (“Ninguém” quase requer notas de rodapé). Ele voltou para pintar a figura “alguém”, mas muitas vezes incorporado em campos abstratos visualmente suntuosos. A cerca por trás de “Mary Jane”, uma garota com um piñul listrado, visualmente um prêmio para a garota acenada em nuvens de vapor de locomotivas onduladas em “The Railway”, de Édouard Manet, é uma areia maravilhosamente distorcida de formas espectrais verdes, cinza e pretas.
Noah Davis, “Mary Jane”, 2008, petróleo e acrílico na tela
(Kerry McFate)
O mesmo acontece com a floresta “The Falling Link 6”, onde um caçador com um rifle se sente em silêncio na base de um enorme tronco de árvore, praticamente secretado na paisagem, como algo crocante na densa folhagem em uma variedade de casca de classificação. O título de Link desaparecido declara a intenção de Davis de se juntar a uma cadeia de artistas evolutivos, o caçador escondido adicionando um elemento de surpresa.
A história da arte é enfiada ao longo do trabalho de Davis. (Tempo de pesquisa produtiva gasto trabalhando como funcionário em catálogos de arte, a famosa livraria Dagny Corcoran, quando estava no local do MOCA Pacific Design Center). A tensão entre arte estabelecida e a nova arte, que busca reconhecer simultaneamente a grandeza no passado, enquanto sua classificação é frequentemente palpável. Em nenhum lugar a pressão parece mais enfaticamente do que no knockout “1975 (8)”, onde a exuberância alegre entra na imagem, já que as pessoas quebram em uma piscina.
O assunto, os maiôs, é tão fundamental para a arte moderna quanto parece, conjurando Paul Cézanne. Enquanto isso, a piscina é identificada por excelência com os anjos. (Outra pintura de piscina fina, “The Missing Link 4”, tem um edifício modernista de Detroit como cenário, pintado como uma grade de retângulos de cores que lembram um David Hockney, um Ed Ruscha ou um Mark Bradford). Os banhistas são um sinal artístico para a vida da vida na costa da costa primária ou que viaja um albergue pastoral e pastores.
Para a América, a piscina também é um local segregacionista arquetípico de crueldade e exclusão histórica. Davis aproveitou a contradição.
A drenagem de piscinas públicas para evitar a integração após os avanços dos direitos civis ocorreu em inúmeros lugares. Ele mostrou a profundidade automática que o ódio irracional pode descer, como escreveu o advogado de políticas Heather McGhee em seu livro excepcional: “A soma de nós: o que o racismo custa a todos e como podemos prosperar juntos”. As pessoas estavam dispostas a prejudicar a todos em uma comunidade desmontando uma comodidade pública popular em vez de aceitar a igualdade total. Em “1975 (8)”, a data do título está dentro de alguns anos da terrível decisão da Suprema Corte em Palmer vs. Thompson, que deu bênção oficial à prática insensível que McGhee relaxou.
Noah Davis, “The Falling Link 4”, 2013, óleo sobre tela
(Robert Wedemeyer)
A composição da pintura de 2013 é baseada em uma fotografia tirada pela mãe de Davis quatro décadas antes. Uma banda horizontal azul brilhante em uma paisagem urbana é pontilhada com cabeças com calma. Um mergulhador masculino que pula por trás domina o primeiro plano inferior, em um ângulo em direção à água. As solas de seus pés descalços cumprimentam nossos olhos, alinhando -se atrás dele e a mergulhar.
Davis suspende o mergulhador aéreo no espaço, uma figura restrita projetada para nos levar visualmente ao local. Como o piloto unicórnio, ele assume o perfil metafórico do artista. Uma transição prevista está congelando, torna -se perpétua. Esperando por nossa vez, ficamos para contemplar as solas dos pés, um símbolo de humildade familiar que segue a rota, na pintura renascentista italiana de Andrea Mantegna de um “Cristo morto” ou inúmeras esculturas asiáticas de Buda.
A maravilhosa pintura foi feita em um momento crucial. Um ano antes, Davis e sua esposa, o escultor Karon Davis, se juntaram a quatro janelas no Washington Boulevard em Arlington Heights para criar o museu subterrâneo. Seu objetivo era criar um espaço cultural administrado por si mesmo em um bairro negro e latino. (O dinheiro veio de uma herança de seu pai recentemente falecido, com quem Davis estava próximo). Um ano depois, a ambiciosa startup se expandiu quando o projeto assumiu o Museu de Arte Contemporânea aclamada internacionalmente como parceiro organizador. Um quarto do programa inclui modelos clássicos de escultura, imitações, de Marcel Duchamp, Dan Flavin, Robert Smithson e Jeff Koons, que Davis fez uma exposição para se referir ao clássico filme de Douglas Sirk de 1959 sobre identidade racial, “imitação da vida”. As apropriações eliminam imitações feministas de Andy Warhol e as pinturas de Frank Stella que Elaine Sturtevant começou a fazer na década de 1960.
Nem todas as pinturas de Davis são bem -sucedidas, o que é esperado de sua juventude e abordagem experimental. Um grupo ambicioso que se refere a programas diurnos de conversas na televisão de jogadores como Maury Povich e Jerry Springer, por exemplo, tenta lutar com sua exploração de lixo de problemas de identidade, como entretenimento: testes de paternidade de DNA e tudo. Mas um olhar de “maury” com uma tinta mondriana crocante que pendura ao fundo simplesmente cai. A justaposição da vulgaridade desordenada da arte popular com as aspirações da Virgin da High Art é surpreendentemente pouco envolvida.
Mesmo assim, a maioria da exposição recompensa a atenção. Faz uma retrospectiva do museu facilmente, garantindo a reputação do artista. De qualquer forma, é apenas uma lasca de cerca de 400 pinturas, esculturas e desenhos que o artista fez. Qualquer outra coisa poderia aparecer no futuro, a seleção atual no martelo representa o brilhante início precoce da raça abreviada de Davis. Esqueça a mitologia; A realidade do programa é melhor.
Noah Davis, “Imitação de Jeff Koons”, 2013, mídia mista
(Christopher Knight / Los Angeles Times)
‘Noah Davis’
Onde: UCLA Hammer Museum, 10899 Wilshire Blvd., Westwood
Quando: até 31 de agosto. Fechou na segunda -feira.
Informação: (310) 443-7000, hammer.ucla.edu
