Kate Winslet se senta com uma mistura de alegria e descrença. Ela ainda está processando a magnitude do que acabou de fazer. A atriz vencedora do Oscar (2008 “The Reader”) fez sua estreia na direção, “Goodbye June”, um drama familiar íntimo escrito por seu filho, Joe Anders, e a realidade ainda não se estabeleceu.
“Mesmo ouvindo você dizer que dirigi um filme, estou quase sentindo os tremores secundários”, diz Winslet com um sorriso. “Como mulher, fazer filmes é difícil, mesmo como atriz. As diretoras têm que se defender tão ferozmente. Passei anos defendendo os outros, então, de repente, me encontrar naquela comunidade é emocionante. Acho que nunca realmente imaginei que estaria aqui.”
O momento chegou não por urgência, mas por timing. Winslet sempre priorizou a maternidade. Agora, com os filhos crescidos – ou crescendo – o espaço finalmente se abriu. “Dirigir é um compromisso de ponta a ponta de um ano, às vezes mais”, diz ela. “Isso é enorme. Mas as estrelas se alinharam e, no meu 50º ano, tenho que fazer isso – e adorei.”
“Goodbye June” centra-se numa reunião familiar enquanto a sua matriarca enfrenta uma doença terminal, um assunto que Winslet aborda com compreensão vivida depois de perder a própria mãe em 2017. O filme apresenta um conjunto formidável: Helen Mirren, Toni Collette, Timothy Spall, Andrea Riseborough e a própria Winslet.
Winslet passou décadas na frente das câmeras para repensar como os atores são apoiados no set. Os microfones suspensos foram eliminados. Microfones ocultos os substituíram. As câmeras foram bloqueadas. Para as cenas mais privadas, a equipe se afastou silenciosamente.
“Eu queria desarmar o espaço”, explica Winslet. “Para remover as coisas que tiram os atores de si mesmos.”
O resultado é um filme que encontra humor no luto sem suavizar sua verdade. “A vida não deixa de ser engraçada só porque é dolorosa”, compartilha Winslet. “Às vezes o riso é a única saída.”
Para um diretor estreante, a abordagem de Winslet parece ao mesmo tempo ponderada e instintiva, enraizada na empatia e na confiança. Resta saber se “Adeus Junho” marca o início de um novo capítulo ou de um ato singular. Mas, por enquanto, Winslet está se permitindo um momento para reconhecer o que construiu.
“Eu realmente consegui”, diz ela, ainda parecendo um pouco surpresa.
Neste episódio do Variety Awards Circuit Podcast, Winslet fala sobre a preparação para este momento de sua carreira, o trabalho com o filho e o que pretende fazer a seguir.
“Adeus Junho” é estrelado por Helen Mirren e Kate Winslet. (Kimberley Francês / Netflix / Cortesia da coleção Everett)
©Netflix/Cortesia Coleção Everett
Leia abaixo trechos de sua entrevista, que foi editada e condensada para maior clareza.
Como sua experiência como ator moldou a maneira como você dirigiu?
Eu soube imediatamente como contornar coisas que não seriam úteis. O que me surpreendeu foi o quão diferentes eram as necessidades de cada ator. Cada pessoa precisava de algo específico de mim e me adaptar a isso foi maravilhoso. Significou aprender quem eles eram, o que precisavam para se sentirem seguros – e construir confiança. Essa confiança era tudo.
Fale sobre as opções para eliminar microfones boom no set.
Como ator, acho-os incrivelmente perturbadores. Eles se movem, pairam e sempre me sinto mal pela pessoa que os segura. Os operadores de boom são brilhantes, mas antecipam o movimento – e se um ator mudar de ideia no meio da cena, isso pode tirar você do momento. Eu queria remover essa distração. Também tivemos crianças no filme, e as crianças pequenas sempre olham para a grande coisa preta balançando acima de suas cabeças. Sem booms, esse problema desapareceu.
O que o levou a bloquear as câmeras e limpar o cenário para cenas íntimas?
Nas cenas mais calmas — entre Helen Mirren e Timothy Spall, ou Toni Collette e Helen no banheiro do hospital — os atores estavam completamente sozinhos. As câmeras estavam rodando, mas ninguém as operava. Helen me disse: “Nunca tive isso em minha vida e sou muito grata”. Isso significava tudo. Permitiu que surgisse uma textura emocional diferente – algo muito real.
Como você equilibrou a dor com o humor no filme?
Esse equilíbrio era essencial. Quando você enfrenta uma tragédia, o riso ainda acontece – às vezes em momentos que parecem inapropriados. Quando faltavam cinco dias para minha mãe falecer, ela disse à minha filha que ela deveria levar os sutiãs porque não precisaria mais deles. Nós rimos. Foi nesse momento que minha filha entendeu que estava perdendo a avó. Essa é a vida. O humor faz parte disso.
Como você conseguiu filmar 35 dias com Helen Mirren por apenas 16 dias?
Eu sou um pensador inovador. Se você é o número um na lista de chamadas e atrasa as coisas, você compromete o dia inteiro. Com um cronograma como esse, você não pode se dar ao luxo de abandonar uma cena – você pode nunca mais recuperá-la. Minha preparação com meu diretor de fotografia, Alvin Küchler, foi incrivelmente detalhada. Ele praticamente se mudou para minha casa por uma semana. Planejamos tudo.
Qual foi o maior desafio em se dirigir?
Essa era a única coisa que eu não sabia como lidar. Eu tive que estar preparado com múltiplas escolhas para que na edição eu tivesse opções. Meu instinto é nunca me colocar em primeiro lugar, então sempre priorizo a cobertura dos outros atores – e então percebo que preciso apressar a minha. Foi uma loucura. Mas também emocionante.
Sua memória fotográfica te surpreendeu na edição?
Eu conseguia me lembrar de tomadas específicas – o que funcionou e o que não funcionou. Eu diria à minha editora, Lucia Zucchetti: “Fique na tomada cinco”. Ela questionava e eu dizia: “Não, confie em mim”. E eu estava certo. Isso nos ajudou a manter uma forte linha emocional.
Como foi colaborar com seu filho, Joe Anders, no roteiro?
Joe não sabe como trabalho no set e não posso ensinar meus filhos a fazer esse trabalho. Eles têm que encontrar seu próprio caminho. Estou extremamente orgulhoso de meus dois filhos porque eles estão trilhando seus próprios caminhos. Colaborar com seu filho – e ter conversas criativas e significativas – é muito especial.
O que mais te impressionou na atuação de Timothy Spall?
Há um momento em que perguntam ao seu personagem: “Você ainda a ama?” Ele não diz nada. Está tudo nos olhos dele. A dor, a traição – você vê o coração dele se abrir. É uma das melhores atuações que já testemunhei.
Como você abordou a linguagem visual do filme?
Esta é uma família confusa e complicada que vive com doenças de longa duração. Eu não queria que o câncer se tornasse a narrativa. Essa não é a história. A história é como uma família se aproxima. No início, eu me conteve visualmente – é o espaço entre as pessoas que nos diz o quão distantes elas estão.
Você quer dirigir novamente?
Eu adoraria. Eu realmente faria isso. Acabei de entregar o filme, então ainda não sei – mas sim, adoraria.
Como foi retornar a “Avatar: Fire and Ash” e o que isso te lembrou sobre atuar?
Filmei anos atrás, mas a experiência foi extraordinária. O treinamento foi intenso. A paixão de Jim Cameron é incomparável. E à medida que envelheço, percebo o quanto adoro estar em grupo com outros atores. Essa energia é importante. Tive a sorte de fazer parte disso.
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