Quando o prolífico diretor independente galês Jamie Adams procurou seu próximo filme, ele não começou com um nome famoso em mente. Ele começou com uma epifania. Durante anos, ele teve uma gaveta cheia de ideias – contornos soltos esperando o momento certo. “Only What We Carry” foi um deles. Mas foi só quando ele tinha 40 anos, e como pai, que a história ressoou plenamente.
“Quando você está na escola de cinema aos 20 anos, você estuda todos esses grandes artistas. Você é incentivado a admirá-los, a adorá-los”, diz ele à Variety em sua primeira entrevista sobre o filme. “Mas com o passar do tempo, todo mundo começa a reavaliar quem são esses artistas e o que permitimos que fossem. Muitos deles são complicados”, diz ele, citando Woody Allen, Picasso e Stanley Kubrick.
“Agora sou pai de três filhos… Tivemos muitas discussões sobre o que significa ser um artista e olhar para essas pessoas com novos olhos”, diz Adams, que atualmente está profundamente envolvido na edição. “Only What We Carry” explora essa mudança de uma forma alegre, misturando comédia e drama.
Com seu estilo de cinema improvisado inspirado na Nouvelle Vague e abordagem voltada para os personagens, Adams atraiu atores para seus projetos como James McAvoy, Martin Freeman e Malin Akerman.
Mas ele se superou com este novo filme, que é representado internacionalmente pela International Film Trust no European Film Market. Ele conseguiu tirar Quentin Tarantino da aposentadoria para uma filmagem de seis dias ao lado de Simon Pegg, Charlotte Gainsbourg, Sofia Boutella, Liam Hellmann e Lizzy McAlpine.
Adams diz que sentiu que Tarantino estava em um momento de reflexão depois de arquivar um projeto (“As Aventuras de Cliff Booth”, que Tarantino escreveu, mas foi dirigido por David Fincher) e enviou seu esboço e carta pessoal. Ele não esperava uma resposta, mas duas semanas depois, o agente de Tarantino solicitou um Zoom. Adams se conectou, cuidando do que ele descreve como a pior dor de dente de sua vida – uma que seu dentista diagnosticou como psicossomática. “Então você ouve a voz dele”, diz Adams. “É como a Disneylândia para os cineastas.”
“Tarantino provou ser um ator excepcional”, diz Adams. “Ele foi maravilhoso. Curioso. Colaborador. Ele adora atores. Ele adora a história do cinema. Estar na França fazendo algo inspirado em Eric Rohmer o empolgou.”
O filme foi rodado inteiramente em Deauville, a elegante cidade litorânea da Normandia. Adams descreveu a atmosfera como um “acampamento de verão”, sem egos e com um espírito colaborativo durante os seis dias de filmagem. Como as filmagens ocorreram no final do verão, a cidade estava excepcionalmente tranquila. “Quase parecia um cenário de estúdio. A praça da cidade parecia um cenário. Parecia mágico”, ele relembra.
A seguir, Adams pode estar procurando um desafio ainda maior: persuadir Martin Scorsese a ficar na frente de sua câmera. “Chegou a hora dos diretores que realmente querem ser atores virem e improvisarem. Truffaut foi um grande ator. Muitos deles são atores frustrados”, diz ele.
Conte-me sobre o ponto de partida, a gênese de “Only What We Carry”. Como isso aconteceu?
Essa é uma boa pergunta. Eu tenho essa história delineada há muitos anos. De vez em quando, quando chega a hora de pensar em um novo projeto, vou até minha gaveta cheia de ideias e vejo qual delas ressoa em mim. Para este, tenho pensado muito em estar na casa dos 40 agora. Quando você está na casa dos 20 anos na escola de cinema, você estuda todos esses grandes artistas. Você é encorajado a admirá-los, a adorá-los. Mas com o passar do tempo, todo mundo começa a reavaliar quem são esses artistas e o que permitimos que fossem. Muitos deles são complicados. Quer seja Woody Allen, Picasso… ou Stanley Kubrick em “O Iluminado” e como ele tratou Shelley Duvall, ou mesmo histórias sobre Jack Nicholson sendo informado de que só poderia comer sanduíches de queijo no almoço – quando você tem 20 anos, você ri disso. Faz parte da mitologia. Agora sou pai de três filhos – 19, 20 e 14 anos – e tenho duas filhas. Tivemos muitas discussões sobre o que significa ser um artista e olhar para essas pessoas com novos olhos. Eu tenho vontade de explorar isso. Com James McAvoy, exploramos algo semelhante de uma forma mais sombria em um filme anterior (“Pose”). Mas desta vez eu queria abordar mais na minha voz – comédia com drama. Não a comédia como uma piada, mas uma forma mais humana de ver as coisas. Foi aí que tudo começou.
Como Simon Pegg entrou a bordo?
Eu tinha acabado de trabalhar com Martin Freeman e ele mencionou que Simon — que é amigo dele — estava fascinado pelo processo e se envolveria se eu entrasse em contato. Então fiz o que sempre faço. Entrei em contato por meio de seu agente e enviei o que normalmente envio: um esboço de cerca de oito páginas e uma carta explicando por que achei que ele seria ótimo para o personagem Julian Johns. Depois conversamos para ver se estamos alinhados em termos de perspectiva. Depois disso, conversamos com os personagens. Eles são liderados pelo ator, na verdade. Eu faço perguntas, eles respondem e tudo o que dizem se torna verdade. Não há lição de casa. É apenas uma conversa. E tudo o que sai naquele momento é o que usamos.
Então você já tinha a ideia quando começou a falar com ele?
Eu não diria que há alguma precisão nisso. Mas sim, eu tinha o esboço – cerca de oito páginas de história. É aqui que eu acho que isso pode chegar. Na verdade, Quentin disse que ficou fascinado pela maneira como escrevo esses esboços porque não há um final fixo. Há espaço para os atores manobrarem. Eles conseguem ver a narrativa geral, mas também conseguem ver a liberdade. Ele me disse que tentou escrever um durante o tempo de inatividade e disse que não parecia certo. Eu disse isso porque ele é um dos maiores contadores de histórias de todos os tempos – ele naturalmente quer começo, meio e fim.
Como você abordou Quentin Tarantino?
Muito parecido com todos os outros. Acho que estava oferecendo algo que nunca foi oferecido a ele. Então a ideia de fazer um longa-metragem por semana, a ideia de que tudo realmente é improvisado a partir do que chamo de roteiro, que é como um esboço de 30 páginas, cena por cena, sem nenhum diálogo.
A essa altura, Simon estava a bordo, Sofia Boutella havia se inscrito e Charlotte Gainsbourg havia entrado. Percebi que Quentin estava dando muitas entrevistas em Sundance e Cannes (em 2024) e que havia deixado de lado um projeto de filme (“As Aventuras de Cliff Booth”). Parecia que ele estava em um momento de contemplação. Eu também sabia que seu primeiro amor foi atuar. Quando eu era mais jovem, era de conhecimento geral que ele queria atuar – ele fala primeiro em “Reservoir Dogs”. Então apelei para esse lado dele.
Enviei-lhe o esboço da história e uma carta. Eu fui muito honesto sobre acreditar nele como ator. A improvisação, da forma como a utilizo, é estar presente e reagir organicamente. Ele é um dos maiores contadores de histórias conversacionais. Achei que seria incrível em caráter. Achei que não teria resposta. Mas duas semanas depois, num domingo, seu agente enviou um e-mail dizendo que Quentin estava intrigado e queria um Zoom.
Naquele dia, tive a pior dor de dente da minha vida. O dentista disse que não havia nada de errado – era psicossomático. Fiquei apavorado. Eu estava no jardim massageando minha bochecha porque estava com muita dor.
Então entrei no Zoom. E quando você ouve a voz dele, você é transportado. É como a Disneylândia para cineastas. A conversa foi para todos os lugares, desde filmes até uma comédia galesa chamada “Gavin & Stacey”, até como era a vida dele, como era a minha vida. A certa altura, ele tentou falar sobre o personagem e disse: “Escrevi aqui algumas perguntas sobre o personagem”, e eu disse: “Não, este não é o momento para isso. Essa é a próxima conversa”. Assim que desci, pensei: “Por que eu disse isso?” E ele me disse mais tarde que adorou aquele momento da primeira conversa porque disse: “Bem, vou ser direcionado”. Dois dias depois, ele estava a bordo.
Como foram as conversas dos personagens com Tarantino?
Tentamos ter pelo menos três conversas entre personagens. Eles tratavam de textura e não de linha do tempo. Como era a cozinha de sua infância? Que comida eles pegam da geladeira? Como é a casa deles vista de fora? A certa altura, ele decidiu que seu personagem deveria ter o pulso quebrado. Ele apareceu no set com um elenco. Para ele, era simbólico – carregar peso fisicamente. No final, ele não precisa mais disso. Ele não explicou demais. Ele simplesmente sabia que era necessário.
Você filmou o filme em seis dias. Como funciona esse processo?
Sim, filmamos em seis dias com uma única câmera. Sabemos o que queremos filmar todos os dias, mas se uma cena se torna mais importante, continuamos com ela. Se não estiver nos dando o que esperávamos, seguimos em frente. Tudo é uma oportunidade. Nós realmente não fazemos tomadas tradicionais – nós as chamamos de passes. Geralmente quatro ou cinco por cena. Durante uma passagem, podemos começar com duas tacadas e chegar a um close-up. Os atores não sabem quando é o close-up. Eles apenas precisam estar presentes. É democrático. Todo mundo está sempre ouvindo.
Como era a atmosfera no set?
Foi como um acampamento de verão. Sem egos. Nenhum tratamento especial. Todos tomaram café da manhã juntos. Não houve trailers especiais. Estávamos todos puxando na mesma direção. Filmamos em Deauville no final do verão, então foi tranquilo. Quase parecia um backlot de estúdio. A praça da cidade parecia um cenário. Parecia mágico. Todos nos apoiaram, especialmente considerando o pouco dinheiro que temos para fazer estes filmes.
Tarantino deixou você dirigi-lo?
Eu adoro essa pergunta. A verdadeira questão é se me permiti dirigi-lo. Ele entrou porque sabia que seria orientado. Com filmes improvisados, dirigir é mais uma questão de conversa contínua sobre personagem e história, em vez de microgerenciar o desempenho. É temático. Ele foi maravilhoso. Curioso. Colaborativo. Ele adora atores. Ele adora história do cinema. Estar na França fazendo algo inspirado em Rohmer o excitou.
Como você o avaliaria como ator?
Ele é um ator excepcional. Naturalmente talentoso. Estou orgulhoso que o filme lhe dê a oportunidade de mostrar isso.
Você acha que este poderia ser o começo de um novo capítulo de atuação para ele?
Absolutamente. Talvez a escrita e a direção tenham sido apenas o começo.
Você está editando agora. Quanta filmagem você tem?
Cerca de 36 horas. Tínhamos cerca de seis horas de corrida todos os dias. A edição é como um documentário. Você está escrevendo o roteiro novamente. Você poderia dar pressa a cinco cineastas e receber de volta cinco filmes diferentes. É aí que minha voz passa. O filme final provavelmente durará cerca de 85-90 minutos.
Quem você gostaria que fosse o próximo? Timothée Chalamet?
Acho que talvez Martin Scorsese. É hora dos diretores que realmente querem ser atores virem improvisar. Truffaut era um grande ator. Muitos deles são atores frustrados. Eu adoro que alguns deles tenham tentado. Eu adoraria fazer isso sozinho em algum momento. Eu só preciso ser menos tímido com isso. Adoramos criar cenas. Adoramos fazer parte do momento onde a alquimia acontece entre as pessoas. Parece importante nos colocarmos como cineastas no centro disso. Naturalmente, não sei quem será o próximo. Sempre me surpreendo com quem gravito. Veremos.
