2025 foi um ano repleto de momentos cinematográficos, emocionantes e devastadores, catárticos e hilariantes. Muitos dos melhores filmes do ano apresentaram cenas que desde então se mostraram difíceis de esquecer. Alguns, como “One Battle After Another” de Paul Thomas Anderson, “Sinners” de Ryan Coogler e “No Other Choice” de Park Chan-wook, apresentavam momentos memoráveis, leituras de versos e cenários suficientes para garantir listas inteiras por conta própria.
Na esperança de ser breve e abrangente, aqui estão apenas as sete melhores cenas de filmes de 2025.
“Uma batalha após a outra” (Warner Bros. Pictures)
A ferrovia subterrânea, “uma batalha após a outra”
“One Battle After Another” tem várias cenas que podem ser consideradas algumas das melhores do ano, incluindo a perseguição climática de três carros sobre aquelas colinas altas e pavimentadas. Mas a sequência da ferrovia subterrânea do filme, seu passeio maníaco e cheio de ansiedade pela organização do santuário de imigrantes do Sensei Sergio (Benicio del Toro), é tão deslumbrante e impressionante quanto qualquer outra cena que você poderia ter visto na tela grande este ano. O roteirista e diretor Paul Thomas Anderson e o diretor de fotografia Michael Bauman filmam a sequência com longas filmagens manuais que não são apenas tecnicamente surpreendentes, mas aumentam a urgência vertiginosa de toda a peça.
E isso sem falar das brincadeiras entre Sensei Sergio e Bob Ferguson (Leonardo DiCaprio) ao longo da cena, ou a maneira compassiva com que o primeiro – mesmo em meio a todo o caos do momento – garante que Bob conheça e aprenda o nome de cada imigrante que ele acolheu.
Jessie Buckley em “Hamnet” (Crédito: Focus Features)
A apresentação final, “Hamnet”
Pode não haver trecho de cinema mais poderoso lançado este ano do que os 20 minutos finais de “Hamnet”, da diretora Chloé Zhao. Através dos olhos da enlutada Agnes de Jessie Buckley, os espectadores assistem a uma humilde apresentação de “Hamlet” no palco. Embora inicialmente confusa e irritada com o uso do nome de seu filho na peça, Agnes passa a ver os detalhes pessoais imbuídos de sua história por seu marido, William Shakespeare (Paul Mescal). Ela começa a se ver na peça, assim como todos os outros no teatro, que choram coletivamente por seu herói condenado, que leva o nome de seu falecido filho (Jacobi Jupe), com ela.
Alguns argumentaram que o final de “Hamnet” não chega porque “Hamlet” em si não é um reflexo 1:1 da história de Agnes e Will, mas este escritor argumentaria que é precisamente por isso que funciona. Agnes encontra significado e catarse em “Hamlet”, da mesma forma que todos nós encontramos em histórias que muitas vezes se assemelham muito pouco às nossas próprias vidas. Nos emocionantes momentos finais de seu novo filme, Zhao captura esse fenômeno milagroso e profundamente humano na tela em uma série de pistas musicais, imagens, cortes e close-ups que criam juntos uma experiência cinematográfica eufórica. Assistir ao final de “Hamnet” é ver um dos mais belos aspectos da existência humana representado plenamente, com todo o seu poder, na tela.
“28 anos depois” (lançamento da Sony Pictures)
Memento Mori, “28 anos depois”
“28 Anos Depois” atinge seu pico emocional devastador em seu ato final. Quando o jovem herói Spike (Alfie Williams) e sua mãe doente, Isla (Jodie Comer), finalmente conhecem o Dr. Ian Kelson (Ralph Fiennes), ele os acompanha até seu porto seguro: um templo feito de ossos humanos. Lá, Kelson realiza um exame em Isla e determina que ela tem câncer e que ele se espalhou a tal ponto que ninguém pode salvá-la.
O que se segue é um confronto com a morte, um reconhecimento de que todas as coisas devem acabar, no qual Kelson proporciona a Isla uma passagem mais pacífica. Guiada pelas performances excepcionais de Fiennes, Williams e Comer, toda a sequência se torna uma maravilha estranha, mórbida e inesperadamente comovente. É uma das melhores cenas que o diretor Danny Boyle e o roteirista Alex Garland já criaram – juntos ou separadamente.
“Pecadores” (Warner Bros. Pictures)
Canção de Sammie, “Pecadores”
Se 2025 tem uma cena de filme marcante, provavelmente é esta. “Sinners”, do roteirista e diretor Ryan Coogler, passa grande parte de sua primeira hora construindo pacientemente sua segunda metade emocionante e encharcada de sangue. Ele envia os espectadores para a última seção com uma performance intermediária do jovem tocador de blues Sammie (Miles Caton) que é tão poderosa que não apenas evoca espíritos do passado e do futuro, incluindo guitarristas, DJs e dançarinos de twerking, mas também queima espiritualmente o telhado e as paredes ao seu redor. Coogler encena esta sequência como uma tomada steadicam ininterrupta que serpenteia pelo local de Sammie, passando por seus muitos espíritos vestidos de forma anacrônica e no ritmo da partitura incendiária e em camadas do compositor Ludwig Göransson.
Esta sequência e sua guinada repentina e abrupta para o mundo espiritual e metafórico representam um grande balanço da parte de Coogler. Dizer que conecta seria um eufemismo. Como uma peça de cinema atlético, é impecável. Mas funciona ainda melhor como representação visual dos temas do filme e como reconhecimento do papel que a música pode desempenhar na expressão e na cura da dor e da esperança de toda uma cultura. Ele envia “Sinners” e seus espectadores direto para a estratosfera, mesmo que apenas por alguns momentos.
“Desculpe, amor” (A24)
Dever do júri, “Desculpe, querido”
“Sorry, Baby”, da roteirista e diretora Eva Victor, conta sua história em capítulos distintos e separados, nenhum dos quais provavelmente permanecerá na mente dos espectadores por mais tempo do que o desvio do júri. Um conto por si só, a cena segue Agnes de Victor enquanto ela luta para encontrar seu lugar no processo diário de seleção do júri. Depois que ela instintivamente levanta a mão quando os membros do júri presentes são questionados se algum deles foi vítima de um crime, Agnes acaba questionada indiretamente sobre sua agressão sexual na faculdade e as consequências dela.
A cena funciona tanto como um testemunho da força da escrita esparsa de Victor quanto como uma exploração agridoce da rigidez do sistema de justiça, sua definição binária da lei e como ele é inadequado para cuidar de vítimas de estupro e agressão. Hettienne Park, por sua vez, oferece uma das melhores atuações de uma cena do ano como a advogada que lentamente percebe a natureza e a complexidade do trauma de Agnes. Quando isso acontece, sua eventual demissão de Agnes do júri é ao mesmo tempo um alívio e um soco no estômago.
“Valor Sentimental” (Néon)
O argumento de venda, “valor sentimental”
Há muitas coisas para gostar em “Sentimental Value”, do diretor Joachim Trier, mas nenhuma mais impressionante do que sua representação sincera e clara de disfunções familiares e traumas geracionais. Em nenhum lugar do filme esse aspecto é representado de forma mais poderosa do que quando o cineasta e pai distante Gustav Borg (Stellan Skarsgård) se encontra com sua filha Nora (Renate Reinsve) em um café local e oferece a ela o papel principal em seu próximo filme, ao mesmo tempo em que lhe passa o roteiro completo e completo. Reinsve e Skarsgård apresentam duas das melhores atuações do ano em “Sentimental Value”, e o poder de ambos está em plena exibição nesta cena.
Observe a confusão nos olhos de Nora enquanto ela luta para compreender o que seu pai está pedindo, bem como a decepção quando ela percebe que não receberá dele o pedido de desculpas ou o conforto que há muito desejava. Enquanto estiver lá, observe também o desespero nos olhos de Skarsgård, o desejo de fazer sua filha entendê-lo, que é restringido por sua incapacidade de se explicar abertamente. Há uma dor imensa e silenciosa nos olhares de ambos os atores. A dor da desconexão de seus personagens surge repentinamente, sem aviso, e dá a essa simples conversa a força emocional de um trem de carga.
“Não há outra escolha” (néon)
A morte a três, “Não há outra escolha”
Nenhum cineasta vivo faz com que bloqueios complexos pareçam tão fáceis quanto o diretor de “No Other Choice”, Park Chan-wook. Isso é verdade em várias cenas de seu filme mais recente, inclusive quando o protagonista desesperado e desempregado Yoo Man-su (Lee Byung-hun) se propõe a matar Goo Beom-mo (Lee Sung-min), um de seus concorrentes por um cargo que será aberto em breve. A tentativa de assassinato de Man-su rapidamente dá errado, primeiro quando Beom-mo descobre a infidelidade de sua esposa (Yeom Hye-ran) e depois novamente quando ela acerta o golpe de Man-su.
Os três supostos assassinos ineptos lutam pela arma de Man-su em uma sequência que usa brilhantemente a comédia física e negra para transformar um simples cenário de ação em um passeio emocionante e exasperante. A subsequente fuga de Man-su por várias estradas sinuosas na floresta, como a inesquecível cena do enforcamento em “The Handmaiden” de 2016, outro exemplo de Park abraçando uma espécie de senso de comédia física de desenho animado e ação ao vivo de “Looney Tunes”. Basta dizer que compensa muito. A compreensão incomparável e o olhar do diretor para a geografia da tela widescreen estão, para simplificar, em plena exibição nesta cena e em muitas outras em “No Other Choice”.
