“Yoko Ono: Music of the Mind” do Broad é mais mente do que música. Ela abre sua mente; você faz a música. Olhe para uma “Caixa de Sorriso” vazia e talvez você o faça. “Dê uma chance à paz” – é claro.
Ela quebra e conserta, e não apenas sua mente. Algo me diz que Broad não concordará com “Collecting Piece II” de Ono, de 1963, que tem as seguintes instruções: “Quebre um museu contemporâneo em pedaços com os meios que você escolheu. Recolha as peças e junte-as com cola”.
Isso também é um sorriso, embora Ono pareça muito profissional segurando um martelo cristalino na foto da capa do catálogo. Ainda sorrio quando me lembro de como sua peça para uma orquestra que pede aos músicos que batam a cabeça contra a parede do palco encantou totalmente o público e os músicos em uma apresentação em Nova York. Só que permaneceu inexpressivo.
Houve mais sorrisos no sábado à noite, quando The Broad, em colaboração com REDCAT do outro lado da rua, apresentou um programa de duas peças performáticas de Ono. Tudo começou com seis membros da Orquestra de Câmara de Los Angeles tocando o Primeiro Sexteto de Boccherini. Esta é a primeira obra escrita para pares de violinos, violas e violoncelos, como expressão de uma liberdade que, em 1776, se sentiu revolucionária.
Talvez seja por isso que a LACO escolheu o compositor italiano para representar um artista contemporâneo revolucionário na sequência do nosso 250º 4 de Julho. A peça real a ser executada foi “Sky Piece for Jesus Christ”, de Ono, na qual ela instrui uma orquestra, de qualquer tamanho (embora ela tendesse a gostar de algo maior do que um sexteto), para começar a tocar uma obra, digamos, de Mozart.
Não importa muito o que for escolhido, porque na estreia de um concerto do Fluxus em 1965 no Carnegie Recital Hall, Ono e alguns colegas subiram no palco e começaram a envolver os músicos em gaze. Depois de alguns minutos, eles não conseguiam mais jogar.
Divertido, sim, mas também é um ato de silenciamento, talvez até de violência passivo-agressiva. Você sorri (e um ou dois jogadores do REDCAT não conseguiram reprimir um sorriso), mas não se sente tão entusiasmado ao fazê-lo.
Membros da Orquestra de Câmara de Los Angeles cobertos de gaze enquanto executam “Sky Piece to Jesus Christ” de Yoko Ono no REDCAT.
(Gina Ferazzi/Los Angeles Times)
Na verdade, há mais neste “Sky Piece” do que um sorriso pode imaginar. Significava que Jesus Cristo representaria John Cage. Cage foi uma inspiração fundamental para a arte de Ono. Quando os Beatles se separaram e Ono e John Lennon se mudaram para Nova York no final dos anos 1960, eles primeiro queriam ficar o mais longe possível dos holofotes, já que Ono foi demonizada na imprensa popular por supostamente acabar com os Beatles (ela não o fez!!!!). Cage encontrou para eles um pequeno apartamento de dois quartos ao lado dele e de seu parceiro, Merce Cunningham, em seu modesto prédio no West Village (um fato significativo curiosamente ignorado no novo e esclarecedor documentário “One to One: John and Yoko” sobre a nova vida do casal em Nova York lá).
Ono e Cage tiveram um relacionamento longo e significativo, mas nem sempre fácil. Cage, que escreveu músicas para suprimir seu ego, teve problemas com o exibicionismo de Ono. Em 1962, ele dedicou uma peça a Ono intitulada “0’00” (4’33” No. 2)”, uma composição semelhante a Ono com uma única frase de instrução: “Em uma situação fornecida com amplificação máxima (sem feedback) execute uma ação disciplinada”.
Mais tarde, Cage adicionou outras qualificações. Uma insistência é que a ação deve cumprir uma obrigação para com os outros. Por mais que “Sky Piece” de Ono pareça uma réplica divertida de Cage, Ono criou, no ano anterior, em Kyoto, o que poderia ser chamado de uma versão de “0’00”,” embora seja uma peça realmente silenciosa.
Esta é a sua famosa “Cut Piece”, que a artista performática conhecida como MPA apresentou no REDCAT após “Sky Piece”. Foi claramente o sorteio que fez com que o programa se esgotasse com meses de antecedência.
Muitos são os significados inscritos em “Cut Piece”, em que Ono convidou o público a subir ao palco e, com uma tesoura, cortou um pequeno pedaço de seu vestido. Além de questionar tabus sociais e sexuais, feminismo e atos de agressão, Ono também confronta seus próprios problemas com o ego a partir de uma perspectiva budista, assim como Cage fez.
“Cut Piece” tem um lugar central no trabalho de Ono, assim como os clipes de filme dela atuando na exposição Broad. Ele fica sem nenhum traço de emoção enquanto ela é despida. A atenção é direcionada dela para os cortadores. Mas a acção é anulada pelo facto de Ono assumir a postura estóica dos monges budistas vistos nas notícias da época, incendiando-se em protesto contra a Guerra do Vietname.
A guerra, de fato, inspirou Ono em sua ação disciplinada chocante e exibicionista (embora negadora do ego). O cumprimento de uma obrigação para com os outros é, como tantas outras coisas em Ono, uma espada de dois gumes que nos força – quer sejamos cortadores activos ou observadores passivos – a contemplar a violência.
O desempenho da MPA foi extraordinário. Ela introduziu “Cut Piece” observando que nas seis apresentações de Ono ao longo de meio século, a última em 2003, em resposta à Guerra do Golfo, a raiva se transformou em algo mais gracioso. Era a sua maneira de dizer a uma nova geração: dê uma chance à paz.
Para começar sua própria apresentação, MPA anunciou que manteve a intenção de Ono de apresentar “Cut Piece” em tempos de guerra. Ela disse para pegar o quadrado da roupa e honrá-lo, deixe que signifique algo para você.
Nas poucas apresentações de “Cut Piece” que vi, normalmente houve hesitação do público no início. Não desta vez. O que parecia ser quase metade da casa cheia imediatamente subiu ao palco e fez fila. Na era do Instagram, os 15 minutos de fama de todos se transformaram em uma eternidade. O pedaço de tecido cortado — uma peça personalizada desenhada por Victor Barragá — torna-se uma prova de que não se pode perder.
A maioria dos cortadores abordava a MPA de forma constrangida, como se estivesse caminhando até um caixão em um funeral, embora alguns agissem mais como artistas querendo ser vistos. Durante tudo isso, cerca de 40 minutos, a MPA não moveu um músculo. Era como se ela tivesse se abstraído das tesouras e dos espectadores, projetando não tanto coragem quanto força. Ela inspirou o silêncio.
Uma noite que começou silenciando um sexteto sorridente terminou num esforço sublime para abrir a mente além do corpo e da música para dar uma chance à paz.