Os indicados ao Oscar desta temporada por edição de filmes têm uma coisa em comum: lidar com o trauma. The Envelope convidou os editores de cada filme para detalhar uma cena crucial que mostrasse seu trabalho.
‘F1’
“F1” ganha impulso para sua história de azarão com uma montagem de corrida intrincadamente construída.
(Fotos da Warner Bros.)
Editor: Stephen Mirrione
Cena: A montagem em que o piloto fracassado de Brad Pitt, Sonny Hayes, começa sua seqüência de vitórias através de uma oscilação de Grande Prêmio que ganha impulso.
“Havia mais de uma dúzia de versões estruturais de como estávamos lidando com essa história”, disse a vencedora do Oscar Mirrione (“Tráfego”). A montagem de alta octanagem de três minutos se beneficiou de 5.000 horas de filmagem, capturadas com 20 câmeras ao redor das pistas. Foi tratado como um enorme quebra-cabeça, com a ordem das corridas alterada para obter o máximo impacto. O segredo foi integrar perfeitamente as imagens da câmera com as imagens transmitidas de corridas reais que ofereceram acidentes felizes, como chuva e colisão. “A certa altura, estava mais focado no piloto novato Joshua (Damson Idris)”, acrescentou Mirrione. “Mas então percebemos que Sonny era mais interessante, visualmente, em termos de seu arco sobre como lidar com o trauma de seu acidente quase fatal. E então, quando vimos isso no contexto, não se tratava apenas dos dois e de sua rivalidade, mas também da equipe se unindo em torno de Sonny.”
‘Marty Supremo’
Um jantar em “Marty Supreme”, estrelado por Timothée Chalamet como Marty Mauser, leva a um flashback surpreendente.
(A24)
Editores: Ronald Bronstein, Josh Safdie
Cena: A cena chocante do jantar / flashback do Holocausto apresentando o desagradável empresário Milton Rockwell (Kevin O’Leary)
Nesta cena do drama psicológico ambientado na década de 1950, temos um vislumbre da motivação de Marty (Timothée Chalamet) para sua busca obsessiva pelo tênis de mesa: orgulho judeu e instinto de sobrevivência. “O impulso adversário da cena do jantar em Rockwell envolve vários personagens, cada um com uma agenda subjetiva distinta”, disse Bronstein. “O ato de cortar a cena (com closes e closes extremos) tornou-se indissociável de suas sensações e emoções.” Mesmo assim, Bronstein levou isso ao extremo com o bizarro flashback de Auschwitz envolvendo a convidada de Marty para jantar, Béla (Géza Röhrig). Graças à sua habilidade no tênis de mesa, Béla desarma bombas para os nazistas na floresta. Mas quando descobre uma colmeia, ele compartilha o mel com seus companheiros de prisão, espalhando-o sobre seu corpo. “Isso é como uma cenoura em uma corda que fica pendurada na minha frente o tempo todo, e quando chego ao fim dessa troca, posso me libertar e entrar em um conjunto totalmente novo de ferramentas, que são muito mais expressivas”, acrescentou Bronstein.
‘Uma batalha após a outra’
Leonardo DiCaprio como Bob Ferguson, aproximando-se da conclusão da perseguição culminante de “Uma batalha após outra”.
(Fotos da Warner Bros.)
Editor: Andy Jurgensen
Cena: A perseguição climática na montanha-russa
Jurgensen montou a melhor perseguição de carros VistaVision da história para o turbulento ator de pai e filha de Paul Thomas Anderson. É aí que a adolescente Willa (Chase Infiniti) se torna a heroína ao enganar e matar o musculoso contratado (John Hoogenakker), que a persegue subindo e descendo as colinas, seguido de perto pelo desconcertado ex-revolucionário pai de Willa, Bob (Leonardo DiCaprio). Filmada em alta velocidade, a cena realmente tomou forma como resultado do local único de San Diego chamado Texas Dip, que parece épico no formato horizontal de 8 perf/35mm. O cruzamento hitchcockiano entre os três carros, favorecendo o ponto de vista de Willa, foi conseguido com close-ups dos retrovisores e retrovisores laterais. As camadas da paisagem sonora propulsiva e a trilha percussiva de Jonny Greenwood completaram a adrenalina. Mas o terno reencontro entre pai e filha no final exigiu uma nova filmagem. “No momento em que Bob parou no local do acidente, quando fizemos a cena pela primeira vez, ele correu até ela imediatamente e eles se abraçaram”, lembrou Jurgensen. “Quando assistimos aos diários, simplesmente não parecia autêntico. Então, refilmamos com mais detalhes: Willa questionando todo mundo e Bob tendo que ganhar a confiança dela provando sua identidade com o código secreto.”
‘Valor Sentimental’
Nora, de Renate Reinsve, participa do novo filme de seu pai, “Sentimental Value”.
(Kaspar Tuxen Andersen)
Editor: Olivier Bugge Coutté
Cena: colapso de susto no estágio inicial da atriz Nora Borg (Renate Reinsve)
O drama familiar de Joachim Trier mostra Nora confrontando o trauma geracional dos Borgs quando ela se reúne com seu pai, diretor distante, Gustav (Stellan Skarsgård). Depois de uma montagem de abertura sobre a história em camadas de sua casa em Oslo, sobre a qual Nora escreveu certa vez em uma redação escolar, nossa introdução à Nora adulta é transmitida pelo caos e pelo humor de seu ataque de pânico antes de uma apresentação. Mas encontrar esta sequência cativante exigiu primeiro cortar um conjunto muito longo de clientes entrando no teatro e sentando-se, e a câmera descobrindo Nora, congelada de medo, no fundo do palco escuro. “Foi tão chato”, insistiu Coutté. “Mas aqui estamos começando bem no rosto de Nora. Onde estamos? Ela se tornou atriz? E então você lentamente entende. Não existem regras; apenas ritmo.”
‘Pecadores’
Jayme Lawson canta “Pale, Pale Moon” em uma cena crucial de “Sinners”.
(Fotos da Warner Bros.)
Editor: Michael P. Shawver
Cena: performance indutora de violência de Pearline (Jayme Lawson) em “Pale, Pale Moon”
No espetáculo Imax de Ryan Coogler, onde o blues colide com os vampiros, a transformação monstruosa começa com o canto da sereia de Pearline: “Pale, Pale Moon”. Esta foi a sequência mais ousada de Shawver, cruzando sua performance hipnotizante com a batida rítmica da multidão, a surra brutal de uma trapaceira de cartas e vampira novata Mary (Hailee Steinfeld) seduzindo e assassinando Stack (Michael B. Jordan). “Quando foi editado pela primeira vez, era cerca de três ou quatro vezes mais longo que a música real que foi gravada e tocada”, explicou Shawver. “E então Ryan assistiu e gostou do que viu, mas queria reduzir a duração da música. Naquele primeiro momento, me perguntei se eu era o editor certo, mas esse medo e ansiedade dão a você um pouco de liberdade para encontrar aquelas conexões espirituais que levaram a esse clímax no final. Na verdade, tratava-se apenas da capacidade de Ryan de envolver o público em um nível pessoal e desbloquear essas coisas e encontrar os caminhos pelos quais eles podem caminhar juntos.”
