Clay, o personagem principal de “O Holandês”, está tendo uma noite infernal na cidade de Nova York, o tipo de noite que poderia acabar com sua vida ou mudá-la de maneira gravemente material. Uma pessoa que ele encontra o aconselha a “prestar atenção aos avisos daqueles que o precederam, para que seu destino possa ser diferente”. E assim esta adaptação da célebre peça de Amiri Baraka de 1964, “Dutchman”, sobre raça e identidade negra, anuncia a sua intenção de oferecer uma interpretação alternativa e atualizada de um texto seminal. O filme acrescenta referências modernas e se passa no presente, mas o tratamento dos temas da peça permanece obscuro e prejudicado pela incapacidade de abandonar o que o diretor Andre Gaines evidentemente considera um texto sagrado.
A adaptação, que Gaines escreveu com Qasim Basir, começa em uma sessão de terapia matrimonial. Clay (André Holland), um empresário negro de sucesso, está tentando entender por que sua esposa Kaya (Zazie Beetz) o traiu, embora ele pareça estar na defensiva e incapaz de se abrir emocionalmente. O terapeuta (Stephen McKinley Henderson) o incentiva a ouvir sua esposa. Apesar da tensão palpável entre os cônjuges, o seu compromisso e amor são evidentes. Eles não estão a caminho da separação, mas talvez de uma maior compreensão das necessidades um do outro.
A caminho de uma arrecadação de fundos no Harlem para um amigo que concorre a um cargo público (Aldis Hodge), Clay encontra uma estranha mulher branca no trem. A partir do momento em que põe os olhos nele, Lula (Kate Mara) parece determinada a chocar, seduzir, insultar e repelir Clay. Num minuto, ela o convida para sua cama e, no minuto seguinte, ela ameaça chamar de “estupro”. Ela insiste em acompanhá-lo à festa onde está determinada a causar confusão e prejudicar seu relacionamento com sua esposa, amigos e comunidade. O que está motivando sua fixação em Clay nunca é explicado.
Na peça de Baraka, Clay e Lula servem como representações alegóricas da assimilação negra e da supremacia branca, respectivamente. Escrito e interpretado no auge do movimento dos Direitos Civis, “Dutchman” foi audacioso e à frente do seu tempo. Os seus temas provocativos e a forma visceral como os tratou desafiaram o público. Ao tentar abri-lo para um público de 2026, Gaines e Basir acrescentam dimensão a Clay, ao mesmo tempo que deixam Lula pouco mais do que um mecanismo de confronto. Esse desequilíbrio – um personagem principal se tornou carne e osso enquanto o outro nunca ganha vida – atrapalha a narrativa central do filme.
A peça se passa em um trem do metrô e, embora continue sendo um cenário central, a de Gaines abre o drama, situando Clay e Lula em uma paisagem social mais ampla, reforçando a ideia de que seu encontro não é isolado, mas inserido na violência da cidade de Nova York. O enquadramento das cenas juntos, seja no trem, no apartamento dela ou em uma grande festa cheia de gente, permite que os atores interpretem bem uns com os outros.
Estranhamente, “Dutchman” é abertamente referenciado várias vezes no roteiro. Clay recebe uma versão impressa da peça de seu terapeuta desde o início. Ele vê uma versão em miniatura de um teatro onde seu “personagem” aparece como um pequeno brinquedo a ser manipulado. Ele vê uma produção de TV passando na vitrine de uma loja de eletrônicos enquanto caminha com Lula.
Henderson desempenha vários papéis e continua aparecendo como espectro ao longo do processo para comentar e relembrar a peça. Seu personagem às vezes é chamado de Amiri e cita diretamente da peça e de outros textos conhecidos sobre a identidade negra americana. Esta meta incorporação da peça acrescenta uma sensação de déjà vu ao filme, sugerindo que o que está acontecendo com Clay pode ser um rito de passagem que todo homem negro deve enfrentar neste país.
A adaptação de Gaines e Basir segue as origens intelectuais da peça. Porém, nunca conseguem emocionar a história, mantendo seus temas sem modernizá-los. Talvez seja esse o ponto: os homens afro-americanos contemporâneos devem lidar constantemente com as suas identidades e com a forma como a sociedade branca os vê. Se a razão para esta adaptação for continuar essa conversa para uma nova geração, então eles tiveram sucesso.
Holland traz matizes vívidos a um papel escrito como um símbolo de sua raça e nacionalidade, tornando-o o principal motivo para assistir a esta adaptação. Ele é imediatamente crível como um homem apaixonado que também está sofrendo, como um homem com desejos que prefere não reconhecer e como uma pessoa ambiciosa que acredita que merece seu sucesso – todos temas que o texto sugere e que Holland traz à vida ao combinar intensidade com vulnerabilidade. Em seu último monólogo, ele acrescenta notas de sarcasmo para encobrir a raiva justificada que seu personagem sente, dando ao filme o final explosivo que ele vem construindo, mesmo que não o mereça.
“The Dutchman” existe num espaço tenso entre a reverência e a reinvenção. É uma adaptação tão consciente do poder e do legado do texto de Baraka que nunca confia plenamente nos seus próprios instintos. O resultado é um filme que provoca mais pensamento do que sentimento, que convida à discussão, ao mesmo tempo que nega ao público a dimensão emocional que poderia ter levado à sua relevância.
