A diretora libanesa Sarah Francis trouxe seu drama conjugal silenciosamente devastador “Dead Dog” para a Competição Horizontes do Cinema Árabe do Festival de Cinema do Cairo, onde o filme ganhou o Prêmio Saad Eldin Wahba de melhor filme árabe. Quando nos encontrámos com Francis antes da cerimónia de encerramento, o impacto do filme, ancorado pelas atuações íntimas de Chirine Karameh e Nida Wakim, já estava a repercutir no festival.
Para Karameh, que havia anos se afastava da atuação, o projeto tornou-se uma inesperada reentrada artística. Mais tarde, ela ganhou o prêmio de melhor atriz no Next Generation Awards, apresentado durante a cerimônia de encerramento do Cairo Industry Days.
Karameh contou à Variety como a visão de Francis a trouxe de volta à nave que ela pensava ter deixado para trás: “No fundo, havia sempre um lugar tranquilo me dizendo que algo ainda estava esperando por mim. Quando soube que o projeto estava com Sarah, algo mudou imediatamente.”
“Dead Dog” foi produzido por Lara Abou Saifan e pela equipe da Placeless Films, cujo compromisso inicial, disse Francis, ajudou a construir o mundo emocional despojado do filme. As vendas do filme no mundo árabe são administradas pela MAD Distribution, enquanto a MAD World supervisiona sua distribuição global. Estreou no Festival Internacional de Cinema de Rotterdam antes de viajar para São Paulo, Sarajevo e Cairo.
Abaixo, Francis fala à Variety sobre como ela construiu o frágil terreno emocional do filme, fez a mudança do trabalho híbrido para a ficção e o processo colaborativo por trás de “Dead Dog”.
Você vem de uma formação híbrida e documental. O que gerou “Dead Dog” e por que contá-lo como ficção?
Raramente sei como uma ideia começa. Às vezes é uma imagem, às vezes é uma cena. Com este filme, tudo começou com duas pessoas que se conhecem bem se encontrando numa espécie de espaço de transição, um momento temporário no tempo. Eu queria explorar o mal-entendido ou a falta de comunicação entre eles e, à medida que seguia esse fio, a história de Aida e Walid se desenrolava.
Eles se conhecem durante quatro dias em uma casa na montanha que ele herdou dos pais, um lugar onde realmente não moram, quase semi-abandonado. Eu estava interessado em trabalhar com elementos mínimos: duas pessoas, um lugar, um período específico de tempo. E ao mesmo tempo, certos objetos, como uma fotografia, uma carta, abrem janelas para outros momentos da sua relação. Torna-se como uma constelação de momentos interligados.
O que a mudança das formas híbridas para a ficção permitiu que você explorasse que antes não era possível?
Com a ficção, de repente há toda uma arquitetura que você precisa construir – guarda-roupa, escolhas de câmeras, listas de tomadas e tantas questões práticas. Algumas coisas estavam muito claras em minha mente e outras eram completamente novas. Trabalhar com atores também foi desafiador, mas muito interessante.
Mesmo com toda essa preparação, você ainda é confrontado com a realidade do momento: o que os atores trazem, como é a cena naquele dia, até mesmo o clima. De certa forma, tornou-se novamente semelhante a um documentário. Você observa o que está acontecendo à sua frente, sente o que é importante, decide o que pode abandonar e segue o fio que se apresenta.
A emigração molda a distância entre Aida e Walid. Por que você escolheu enraizar a história naquela realidade libanesa específica?
Não foi algo com que comecei, mas à medida que desenvolvi os personagens, parecia óbvio que Walid faria parte dessa realidade. A emigração é comum no Líbano há mais de um século, mesmo antes da guerra civil, durante a mesma e depois de cada crise, e hoje a diáspora é maior do que a população dentro do país. Muitas vezes o homem sai sozinho e volta apenas ocasionalmente.
Então Walid é alguém que não está totalmente ancorado em lugar nenhum. Ele não está estabelecido no exterior, mas também não pode voltar facilmente, porque não tem certeza para onde voltaria. Entretanto, Aida tem vivido sozinha as dificuldades do Líbano, enquanto cria a filha, gere a vida quotidiana, suportando a instabilidade constante. Naturalmente, cada um deles carrega decepções e expectativas que nunca foram concretizadas.
O que realmente me interessou, porém, não foi a emigração como tema, mas o espaço emocional que ela cria. Ambos estão em um momento de transição, em busca de um centro para seu relacionamento e para si mesmos. Nada parece fixo, nem sentimentos, nem decisões, nem mesmo a sensação de segurança que seu casamento uma vez prometeu. Essa incerteza se tornou o coração do filme.
A relação entre Aida e Walid parece íntima, mas fraturada. Como você abordou o trabalho com os atores para construir essa história emocional?
Os dois atores moram no exterior, então chegaram algumas semanas antes das filmagens para os ensaios. Esse tempo foi essencial. Não apenas repassamos o roteiro, conversamos muito sobre quem eram essas duas pessoas antes do filme começar, definindo por que se casaram, o que cada um esperava, o que os decepcionou e o que carregavam para esse momento. Juntos construímos uma espécie de história partilhada e, ao mesmo tempo, cada ator também desenvolveu a sua própria história de fundo privada. Acho que essa combinação deu aos personagens uma vida interior mais rica.
Houve também momentos em que as suas opiniões reais sobre certas coisas, especialmente em torno dos papéis ou expectativas de género, não se alinhavam. Às vezes, eles tinham visões diferentes na vida real, assim como seus personagens. Essa dinâmica entrou naturalmente em suas cenas e fez com que a tensão entre Aida e Walid parecesse muito verdadeira.
No momento em que começamos a filmar, cada ator havia formado uma “verdade” muito específica sobre quem era seu personagem. Essas verdades nem sempre combinavam perfeitamente em um determinado momento, o que na verdade era muito útil. O atrito, os mal-entendidos, a ternura, tudo veio das perspectivas que eles haviam internalizado totalmente. As performances pareciam naturais porque eles atuavam a partir de um lugar que construíram e no qual acreditaram.
O silêncio desempenha um papel importante no filme, tanto emocional quanto estruturalmente. Como você decidiu quando o diálogo era necessário e quando o silêncio poderia dizer mais?
O roteiro originalmente tinha mais diálogos, mas durante os ensaios e filmagens, sempre rodamos cenas inteiras desde o início, mesmo que precisássemos ajustar apenas uma fala. Os atores estabeleceram um ritmo juntos e muitas vezes percebemos que a cena já estava clara através de sua aparência, de sua linguagem corporal ou de como eles se moviam no espaço.
Som e música também foram essenciais. Com Victor Bresse, o designer de som, trabalhamos para criar um mundo minimalista, mas ainda assim impactante, em torno dos personagens. E com a música original de Rabih Gebeile, senti que ele acrescentou uma camada complementar, não repetindo as emoções do filme, mas contando a história em outro tom, quase como um narrador com voz própria.
O Cairo é uma importante plataforma para cineastas árabes. O que significou para você exibir “Dead Dog” na Competição Horizontes do Cinema Árabe e o que você esperava que o público regional tirasse disso?
Estávamos todos muito entusiasmados por estar no Cairo com este filme porque o Cairo é realmente um centro de cinema e tem uma história muito rica. Chirine (Aida), Lara (produtora), minha família, muitos de nós crescemos assistindo filmes egípcios. Estar aqui foi como entrar num espaço que pertence a tantas pessoas no mundo árabe. E o facto de o festival ter um público genuíno foi importante para nós.
Após a exibição, uma mulher egípcia veio até mim e disse que com tudo o que acontece na região, grande parte do nosso cinema passou a ser centrado na catástrofe, o que é compreensível e necessário. Mas assistir “Dead Dog” lhe deu uma sensação de alívio, porque ela sentiu: “Eu também existo”. Ela ficou grata ao ver uma pequena história sobre seres humanos e questões íntimas e existenciais.
Isso significou muito para mim. Acho que as histórias do cotidiano também merecem espaço. As pessoas ainda vivem, amam, separam-se e questionam-se mesmo em tempos difíceis. Não acho que todo filme precise representar o trauma de uma nação inteira. Essas histórias tranquilas também são importantes.
O filme recebeu apoio importante do Doha Film Institute, do Red Sea Film Fund e outros. O que esse apoio trouxe para o projeto?
Doha foi o primeiro financiador, também apoiou o meu primeiro filme e essa confiança significou muito. Começar um filme no Líbano é extremamente difícil dada a crise económica e a falta de uma infra-estrutura industrial sólida. A Red Sea nos apoiou na pós-produção exatamente no momento em que precisávamos para terminar o filme.
Também me senti parte de uma comunidade cinematográfica regional, e não isolada. E nada disso teria sido possível sem a Placeless Films. Lara Abou Saifan e a equipe de produção confiaram no roteiro desde o início. Nunca tivemos que brigar pela visão. Por acaso, também nos tornamos uma equipe de produção/direção só de mulheres, o que criou uma parceria muito calorosa e colaborativa.
